Pasen y Vean

FOLIUM ADVENTUS

2009-10-08T15:55:39+00:00

Del Latín Hojas al Viento y, por analogía, Adviento, indicadora de un tiempo previo a la Navidad, que significa "llegada."

Ilustrada con frases como esta y fotos del lugar para exponer, llega la convocatoria via mail:

El grupo de proyecto de "Folium Adventus" invita a participar a todos los artistas plásticos, escuelas de arte, galerías de arte, diseñadores, escuelas de danza, coros, grupos musicales, artistas callejeros, grupos de teatro, escritores, realizadores cinematográficos.

La convocatoria tiende a generar acciones en el territorio -dicen los organizadores-, tomando como material de trabajo los elementos mismos que lo componen. Estas acciones tienen como finalidad hacer propio el sitio elegido a intervenir, es decir, incentivar la idea de lo colectivo.

El arte transforma, señala, interroga y enriquece la naturaleza, generando así, una base de conocimiento, de reflexión sobre el lugar que habitamos, es decir el arte crea identidad a través del paisaje.

Con tales objetivos se organiza la 1° convocatoria FOLIUM ADVENTUS, su lugar de implantación/intervención será el Museo Municipal de Arte de la Ciudad de Puerto Madryn y la costanera inmediata. Culminará en una muestra abierta que toma como patrón al viento, con la intención de convertirlo en el hilo conductor, en disparador de imágenes asociadas al mismo.

Buscar sus cualidades sensibles, movimientos, formas, sonidos, olores, sabores, luces y sombras que convoquen a los autores todos, con escuela o sin ella, a producir una obra.

El proyecto surge desde la necesidad de crear ámbitos de intercambio en la comunidad -nos cuenta el grupo- y de generar una reflexión sobre el lugar que habitamos. La ciudad, sus paisajes, las inmediaciones constituyen un marco de referencia en donde se ancla la propuesta del proyecto.

"Uno de los primeros pasos para pensar el paisaje en profundidad, es conocerlo". DERECHO AL PAISAJE. JOAN NOGUE

"Cuando miramos el campo con ojos estéticos y contemplamos escenarios que nos generan emociones, estamos ante un paisaje, es decir, las cualidades paisajísticas de un territorio dependen de las emociones que sean capaces de despertar en el sujeto que las contempla. El paisaje no es, por lo tanto, un hecho objetivo." UNA CONSTRUCCIÓN CULTURAL. JAVIER MADERUEL.O

CONVOCATORIA FOLIUM ADVENTUS

Fotografía al sur de paralelo

2009-09-12T17:41:40+00:00

Hace poco recibí una convocatoria del grupo fotográfico f/42 , fotografía al sur de paralelo, de Madryn. Organizan el proyecto fotográfico-pictórico "Intervención de una Fotografía" el cual derivará en una muestra conjunta de fotógrafos y plásticos.

Los fotógrafos del grupo pondrán a elección de los artistas plásticos, 5 fotos tamaño 15x21 sin identificación del autor. El tema es absolutamente libre. Pueden ser fotografías sacadas para la ocasión como así también de archivo. Las 5 fotografías deberán ser de temática variada, obtenidas por equipos analógicos o digitales.

Para los Plásticos que deseen participar, la intervención podrá hacerse con cualquiera de las disciplinas plásticas:

a) Dibujo: Todas las expresiones con procedimientos y materiales inherentes a esta disciplina: dibujo en claro y oscuro, en un solo color, dibujo en color y dibujo coloreado, collages.

b) Pintura: Todas las expresiones con procedimientos y materiales inherentes a esta disciplina: óleo, acrílico, pastel, acuarela, collage, ensamble, esculto-pintura, técnicas mixtas.

c) Grabado: Técnica de grabado mediante incisión: En relieve (xilografía, linoleografía, grabado sobre plástico, etc.) Intaglio (Aguafuerte, aguatinta, punta seca, mezzotinta, grabado al buril, colagraf y en seco, gofrado y troquelado). Litografía.

Me conecto con uno de los fundadores de f/42, el fotógrafo José María Farfaglia, para saber de que se trata:

L: ¿Como surge la propuesta?

JMF: Este proyecto surgió porque siempre estamos buscando nuevas actividades para hacer, ponemos temas para desarrollar, hacemos safaris, etc. Desde hace tiempo que quería hacer algo multidisciplinario, para integrarnos de alguna manera. Fotografía y letras, fotografía y música, fotografía y artes plásticas, bueno arrancamos por ésta última.

L: ¿Cuales son sus proyecciones con esta convocatoria?

JMF: La convocatoria no pretende ser algo terriblemente importante sino más bien casi como un juego, o un divertimento. Es por eso que habrás visto que las normas son sumamente sencillas y nada estrictas, simplemente para ordenar un poco.
Las fotografías las pone f/42 y los plásticos entran en el juego. Al final una muestra conjunta y listo.

L: Me gustaría saber más acerca de su trabajo y su conformación como grupo...

JMF: La cosa comenzó hace un par de años cuando llevé la muestra "Mi visión del Valle" a Madryn.
Cuando la muestra bajaba, me propusieron hacer unas charlas sobre fotografía y comenzamos a reunirnos una vez por mes, de a poco se fue arrimando gente, el museo nos quedó chico y nos mudamos a una confitería.
Luego comencé a dictar los cursos de fotografía en el auditorio del cine y se empezó a acoplar más gente. Fue el momento de ingresar a la red y hace algo más de un año comenzamos a interactuar en el foro, el que al día de hoy tiene 120 usuarios, mayoritariamente de Puerto Madryn y Trelew pero abierto a todo quien quiera suscribirse y participar.

L: ¿Quienes conforman el grupo f/42?

JMF: Sobre las personas del grupo, habría que nombrarlos a todos, pero algunos de la primera hora son Juan Carlos Regla, Tato Sosa, José Mazzurco y Omar Tarrío, estos dos últimos también ligados a la pintura.

L: También es muy bueno el trabajo en el foro...

JMF: Si sos un entusiasta de la fotografía invitamos a suscribirse al foro y comenzar a participar activamente. Podrán subir tus fotos y recibir comentarios sobre ellas, además de ver y comentar las fotos de otros; participar en safaris fotográficos y exposiciones. Ya sabés que el foro está en f42.fotopatagonia.com, al cual te invito a suscribirte y a que invites a quien desee hacerlo.

CRONOGRAMA DE LA MUESTRA

Fechas para la elección de la fotografía por parte del artista plástico en el Museo de Arte: desde el 1/10/09 hasta el 15/10/09 inclusive.

Recepción de las obras plásticas en el Museo de Arte: hasta el 15/12/09.

Fecha de inauguración de la Muestra: A DEFINIR.

CONSULTAS: Cel (02965) 15670417 Email: jmfarfa@gmail.com

Día Internacional de la Fotografía

2009-09-02T20:53:04+00:00

El pasado 19 de agosto se celebró el Día Internacional de la Fotografía (una excusa perfecta para este post!).

Hombres como Joseph Nicéphore Niépce, Sir John Frederick William Herschel, William Henry Fox Talbot y Louis Daguerre hicieron que el mundo pudiera apreciar, recordar y valorar imágenes captadas por el mismo ser humano.

Niépce obtuvo la primera imágen negativa sobre papel con una cámara oscura en 1,816, Daguerre fue el primer divulgador de la fotografía, Fox Talbot inventó el primer negativo llamado calotipo en 1,840, Sir Herschel fue quien definió los términos "fotografía", "positivo", "negativo" y por supuesto, fue quien descubrió la manera de fijar imágenes de una manera permanente en 1,839.

La fotografía sin duda ha sido uno de los descubrimientos más importantes en la historia del ser humano. Ésta era utilizada como un simple documento, ahora es apreciada dentro de las artes visuales por la sociedad.

No puede pensarse el mundo sin la presencia de la Fotografía. Estan los que se dedican a la fotografía, ya sea por hobby, por trabajo o simplemente para captar imágenes o momentos que podrán recordarlos durante toda su vida. Una fotografía nos suele contar una historia, con emociones pensamientos, como si fuera un poema o una novela y es importante saberla contar, provocando sensaciones en los demás. Como los antiguos hechiceros, hay gente que necesita crear y tener un papel en la sociedad, ser oído o contemplado y en muchos casos ser una manera de expresarse ante falta de oratoria.

Dentro de la fotografía artística existen dos movimientos creativos claramente diferenciados: el color, con su máxima expresión y entendimiento al primer golpe de vista, y el blanco y negro mas purista, dedicado a la contemplación, a la visualización de detalles, poniendo cada espectador su paisaje de color a funcionar de modo propio así mismo puede ser un vehículo para transmitir lo personal frente a lo social y sobre todo para plasmar emociones, capacidad de seducción y recreo en el tiempo, imaginando lo que el autor quiere decir.

Y los dejo con una reflección de Andreas Feininger:

Construcción colectiva.

2009-07-22T21:27:27+00:00

Por Laura Perez.

Recibo una convocatoria por mail que dice: Compilación de Manuscritos. Me la manda la artista plástica y amiga Adriana Lombardozzi, que explica "para lanzar mi nuevo Proyecto Artístico. Porque creo en vos, es que te convoco a que participes, junto a todas aquellas personas que vos quieras invitar".

¿Esta propuesta tiene relación con otros trabajos que venís haciendo? ¿Hay algo que puedas contarme de como surge la idea primaria?

Cabos aparentemente sueltos -aclara-. En el año 2004, comencé con la idea de un Libro de interacción: una imagen, un relato. A partir de algunas imágenes, que partieron de mí, la persona que la recibía, escribía uno o varios relatos y, a su vez realizaba una o varias imágenes para pasárselas a otras personas. En cuanto al relato, lo solicitado era que sea manuscrito, para que permaneciera la caligrafía única e irrepetible de ese ser. Esta propuesta tuvo un buen impulso inicial pero actualmente está "estancada", habiendo obtenido relativamente pocas producciones de regreso.

En el 2005 -continúa-, por necesidades familiares, comencé a hacer experiencias tiñendo hojas de distintos colores, para luego darle un aspecto envejecido. Automáticamente tuve la urgencia de buscar los cientos de bocetos que había realizado durante mi paso por la Escuela Nacional de Bellas Artes y someterlos al mismo proceso. Quería realizar con ellos "un libro", con tapas de madera. Al teñir las hojas los bocetos, en su mayoría "desaparecieron", lo que me llevó a hacer nuevos dibujos sobre ellos. No los terminé, no lo encuaderné.

A fines del 2008, comencé a indagar en los trazos de la caligrafía china, tibetana, del sánscrito, etc. Inicialmente sólo como un juego visual, terminé realizando los trazos sobre el libro "envejecido", impresos con escritura occidental.

Me pareció interesante pensar en el "entramado" desde el punto de vista estético y cultural. La idea es trabajar con la comunidad, valorizando su caligrafía como signos emergentes de su propio ser en el mundo. El libro que sería un constante "work in progress" y que formarán parte de los libros/cajas -vuelve sobre esta reunión de manuscritos que conformarán una nueva obra para este año- , probablemente llegue a tener varios tomos. Sus cubiertas estarán trabajadas a la manera de los libros antiguos "tesoros", objetos de mucho valor, que, lejos de pertenecer al pasado lejano, guardan los manuscritos de la sociedad contemporánea.

¿Que tipo de textos te interesan?

Adriana: A mí solo me interesa un texto donde aparezca "TU LETRA". Eso es lo importante en esta propuesta. Eso es lo que yo quiero rescatar. Después, el tema del mensaje ya es cuestión del dueño de la letra -se ríe-. Hay gente que me va a dar un resumen de la facultad, porque dicen que eso significa mucho para ellos, en este momento.

¿Qué te motivó a lanzar este proyecto?

Adriana: Hace tiempo que me inquieta pensar en la pérdida de la individualidad del trazo en la caligrafía de cada persona. Con los avances tecnológicos y la era de la informática, hoy se "vive" una formalización de la tipografía, que se limita a los variados, pero estándares, caracteres que los programas informáticos nos ofrecen. En las escuelas y universidades se exige, cada vez más, la entrega de los trabajos impresos por computadora, en pos de la "prolijidad". ¿Dónde quedó la importancia de la prolijidad de la grafía manuscrita?

Rescatar lo personal, lo característico, lo distintivo de la letra de cada uno, el valor del gesto en la escritura, es lo que me mueve hoy a plantear este proyecto- hoy, después de haber podido hacer un cierre en su vida, tanto a nivel simbólico como real, cree que esos temas que dejó en suspenso están íntimamente relacionados entre sí, y siguen teniendo un profundo peso-. Es por eso que te estoy invitando a que escribas "algo", de la extensión que desees, en hojas del tamaño y forma que quieras y que, por favor, invites a tus familiares, amigos, vecinos a hacer lo mismo. Cuando vos me digas yo paso a buscarlos, por el lugar convenido -lanza esta propuesta para todos aquellos que deseen participar-. La idea es que todos seamos protagonistas de la futura muestra, que todas nuestras formas de caligrafía queden reunidas como símbolo de la exclusividad del ser individual, propio y especial que es cada persona en el mundo y, finalmente, que sea un motivo para un sensible encuentro -concluye Adriana-.

Contacto: adrianalomb@hotmail.com

Gracias Adriana Lombardozzi!

Esta artista es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en la especialidad de Escultura y cursó luego la Licenciatura en Artes Visuales en el IUNA. Complementó sus estudios académicos concurriendo a los talleres del escultor Juan Maffi y de Pintura en el del profesor Horacio D' Alessandro. Permanentemente realiza cursos de actualización, especialmente de Estética e Historia del Arte. Realizó exposiciones individuales y colectivas. Participó en Salones Provinciales y Municipales obteniendo premios y menciones. Fue jurado en ambas instancias así como también del concurso "Premio Federal" año 2001 organizado por el Consejo Federal de Inversiones. Actualmente se desempeña como Docente de Arte en el nivel Polimodal y en el nivel Superior del Instituto Superior de Formación Docente Artística Nº 805 de Trelew.

Rememorar nuestros juegos ilumina nuestra memoria.

2009-07-17T16:52:13+00:00

por Jorge Spíndola.

Este lunes, 20 de julio, a las 12 horas inaugura la tercera muestra del Museo del Juego y el Juguete en la Walsh. Mitre 74 de Trelew. Se lo podrá visitar durante una semana, de 12 a 20 horas.

La idea de un Museo de juegos y juguetes surge como resultado de nuestro interés por el mundo del juego, su evolución en el tiempo, la lectura de los cambios sociales a través de este mundo y, en consecuencia, el conocimiento de la historia del hombre como sujeto lúdico. Nuestra constante búsqueda nos ha llevado a la ceación del Museo del Juego y el Juguete. Por la importancia que tiene el juego en lo cultural, en la integración social, en lo educativo, en la necesidad de un espacio de esparcimiento para toda la familia, en definitiva, por la trascendencia que tiene el jugar en la vida misma, creemos que rescatar y resguardar estos valores nos permite conocer, trasmitir y enriquecer nuestra identidad.

Beatriz Villareal, Myrian Villarreal y Marisa Barrientos son ludoeducadoras fundadoras del Museo.

"En media hora de juego podemos descubrir mejor a una persona que en un año de conversación" Platón

La exposición cuenta con más de 160 juegos y juguetes, con algunos de los cuales está permitido jugar. Algunos de estos 160 juguetes son: Muñeco musical de madera de 1911 Bolero de madera de 1940 Juego de loza de 1950 Sonajero de bebé de 1950 Tren de metal a cuerda decáda del ´40 Muñequita en miniatura de porcelana de 1930 Juegos tradicionales artesanales (de los que se hacían en casa) pelota de trapo, biyarda, rayuela, payana, Trompos, perinolas, tabas. Juegos de mesa: El mago Chan, El Estanciero, Computadora Galaxia, Ajedrez artesanal y muchos más. Autitos de metal Matarazzo, Volgo. Lanchita Pof-pof década del 50 Muñecos Jack 1970 Muñecas Rayito de Sol 1970 Muñecas Piel Rose -1960 Juego de té y heladera de metal. 1970

Libros y revistas infantiles: de finales del 30 en adelante. Discos y tocadiscos: Margarito Tereré, Julieta Magaña, Parchís, Heidi, Gaby, Fofó y Miliqui, Pipo Pescador, Petete, etc. Fotografías: juguetes que perduran en nuestra memoria pero que se perdieron físicamente. Material Gráfico: publicidades de las primeras marcas en el país Otros soportes: diapositivas (década del 70) y proyección en Cine-Graf.

Estas son sólo algunas de las maravillas con las que se van a encontrar. Por otro lado tenemos intención de realizar un "Anecdotario", con historias de vida, recuerdos de todas las infancias, juguetes que inventábamos.Porque, si bien hay abundante material sobre historias del juego en el país, aún falta construir nuestra propia mirada respecto de los juegos que se jugaban y se juegan en Patagonia.

Entrada general: $5 Nota: si embocás el balero no pagás entrada (tenés 3 oportunidades) Del lunes 20 al domingo 26 inclusive, de 12 a 20 hs. (pensando en los empleados de comercio) Biblioteca Rodolfo Walsh- Mitre 74- Trelew

Promoción de la cultura y las artes

2009-07-23T19:34:11+00:00

La muestra itinerante del II Premio Nacional de Pintura Banco Central 2008 ya se exhibió en Buenos Aires, Mar del Plata, Rafaela y Madryn, en el futuro Museo Histórico de la ciudad, entre otro lugares.

La ex Terminal de Ferrocarril, en Pasaje 1° de Marzo e Independencia, fue sede de la muestra itinerante del Premio Nacional de Pintura Banco Central 2008.

El Premio Nacional de Pintura -nos cuenta el Banco Central -tuvo su primera edición en 2007, cuyo ganador fue Clorindo Testa con su obra "Ciudad no muy extensa". La segunda edición, en 2008, incorporó la categoría Gran Premio Homenaje, y fue adjudicado a Luis Tomasello con su obra "Atmósfera cromoplástica N° 212". Esta y otras obras forman parte de la muestra, e incluye otros artistas como Juan Melé, Luis Benedit, Luis Barragán, Miguel Dávila, Sergio Camporeale y Miguel Ocampo.

Esta acción cultural se realiza en el marco del Programa de Fortalecimiento Institucional del Banco Central iniciado en la actual gestión, que tiene como objetivo la apertura de la institución hacia la comunidad y la generación de un diálogo directo con distintos sectores a partir de dos ejes básicos de acción de responsabilidad social institucional: la educación y la cultura.

La exposición del Banco Central, compuesta por 36 obras seleccionadas (entre más de 560 artistas participantes), cuenta con artistas como Silvana Lacarra y Juan Astica (Primer y Segundo premio, respectivamente), Florencia Levy y Verónica Di Toro, ambas ganadoras de la categoría Jóvenes Artistas adquisición, y autores como Blas Castagna, Ricardo Roux y más.

El Banco Central de la República Argentina, en adelante el Banco Central, en el marco de su Programa Institucional de promoción de la cultura y las artes, convoca a los artistas plásticos argentinos y extranjeros con un mínimo de 3 años de residencia en el país, a participar del Concurso al III Premio Nacional de Pintura Banco Central 2009.

El III Premio Nacional de Pintura Banco Central 2009 contempla dos categorías de participación: Artistas mayores de 35 años y artistas menores de 35 años.
En ambas categorías se considerará la fecha de nacimiento al 31 de diciembre de 2009.
Se excluye la participación de los artistas premiados en los I y II Premios Nacionales de Pintura Banco Central 2007 y 2008.

La fecha de presentación de carpetas será del 6 al 14 de agosto 2009.

fotos: Juan Manuel Rosel

“La fotografía es un secreto que habla de un secreto. Cuanto mas te dice, menos te enteras"

2009-06-04T19:46:25+00:00

ARBUS DIANE (1923-1971)

"En 1971, cuando Diane Arbus se suicidó, ya tenían fama sus desconcertantes fotografías de seres extravagantes y excéntricos. Un año después de su muerte, se exhibieron en la bienal de Venecia ampliaciones de diez de sus fotos de esos seres (enanos, travestis, nudistas). Poco tiempo después se inauguró en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York una gran muestra retrospectiva de su obra..., 250.000 personas acudieron a ver retratos de Arbus tan sobrecogedores como The Jewish Giant y The Man in Hair Curles.

Diane Arbus (cuyo nombre de nacimiento era Diane Nemerov) nació en Nueva York, Estados Unidos en 1923. Adopto el apellido de su marido Allan cuando tenía 18 años. Hija de una familia adinerada, se quejaba de haber sido "demasiado cuidada" en su piso de la quinta avenida. Algunas de sus primeras fotografías famosas son de niños luchando con su energía y su desesperación por sus limitaciones psíquicas o físicas, como "niño exasperado con una granada de mano de juguete" tomada en central Park en 1961, esta formaría parte de su serie en que fotografió a niños ricos "ya que yo también soy una niña rica" diría sobre esta serie.-

En 1967, después de su gran exhibición en el MOMA en una entrevista para la Newsweek comento de la irrealidad en la que ella decía que había crecido: "Es irracional haber nacido en un cierto lugar y un cierto momento y de ser de un determinado sexo. Es irracional que uno pueda cambiar muchas circunstancias y que no pueda cambiar muchas otras. La simple idea de haber nacido rica y judia es parte de esa irracionalidad. Pero si naces siendo algo, podes tener la osadía (la aventura) de ser otras diez mil cosas"

Empezó como fotógrafa de moda y publicidad, trabajando para la revista Harper's Bazaar, asistiendo primero y luego en sociedad con su marido. Conoció a artistas como Robert Frank o Walker Evans.-

Entre 1955 y 1957 fue alumna de Lissette Model, de la que recogió un realismo crudo y aprendió a captar lo particular para alcanzar lo general. A partir de los años 60 se dedico a retratar a la población marginal americana: Lisiados, minusválidos, gente con deficiencias mentales, travestis, gente de la calle y sus casas...y sus asilos. Con sus fotos da la impresión de querer enseñarnos que todos nosotros somos monstruos, solía decir "si observamos la realidad desde bastante cerca (...), esta se hace fantástica"

La película de Tod Browning, Freaks, fue importante en su trabajo. Patricia Bosworth escribe: "De llevó a Diane a ver Freaks, la película de Tod Browning, de 1932; Dan Talbot la había reestrenado en el New Yorker Theatre, del Upper West Side, que era de su propiedad. La película cautivó a Diane, porque los monstruos no eran imaginarios sino reales, y esos seres -enanos, idiotas, contrahechos- siempre habían sido para ella motivo de atracción, de reto y de terror, porque constituían un desafío a muchas convenciones. A veces, Diane pensaba que su terror estaba vinculado a algo que yacía en lo más profundo de su subconsciente. Cuando contemplaba el esqueleto humano o la mujer barbuda pensaba en un ser oscuro y antinatural que llevaba oculto dentro de sí misma. En su infancia le habían prohibido que mirara todo lo que fuera "anormal": un albino con los ojos rosa a medio cerrar, un bebé con labio leporino o una mujer gorda como un globo debido a alguna misteriosa deficiencia glandular. Como se lo habían prohibido, Diane los miraba con más atención, y desarrolló una profunda simpatía por toda rareza humana.

Su método fue sencillo: ir al encuentro de lo grotesco, de lo bellamente horrible.

Su segundo paso fue entablar conversación con la fauna nocturna, con los reventados de la vida, con los personajes más excéntricos que pululaban por bares de mala muerte y basureros. Diane conversaba largas horas con prostitutas, chulos, mendigos. Les explicaba su pasión por la fotografía y luego los convencía para que dejaran tomar una foto. Poco a poco fue conformando una galería de tipos, de seres que más que personajes de la noche eran alegorías de nuestras pesadillas. Un inigualable museo de hombres, mujeres y niños dejados al margen del gran "sueño americano".

"Esas criaturas extrañas habían tenido madres normales, pero habían salido del útero alterados por una misteriosa fuerza que no llegaba a comprender".

Arbus cambió drásticamente nuestro sentido de lo permisible en cuestión de fotografiable, amplio el alcance de lo que resultaba un tema aceptable y exploró, de forma deliberada, la ambigüedad visual de las personas que ocupaban un lugar preponderante dentro de la sociedad como así también de las marginadas.

Sus modelos miraban siempre, en forma directa, a la cámara. Ella los iluminaba siempre con un flash directo o algún tipo de iluminación directa. Según sus propias declaraciones "para mi, el tema de la fotografía será siempre mas importante que la imagen".

La inauguración en fotos

2009-05-26T19:29:46+00:00

Para los amigos que desde lejos estan...

-Las obras se agrupan en series y en lugar de títulos van acompañadas de textos que ahondan en el concepto sin cerrar el tema a la imaginación del espectador. Apelando a la representación mental de la realidad, la interpretación del concepto.-

Una propuesta de percepción visual, considerada como representación, destinada a la configuración de una forma, para su valoración por el perceptor.

-Es el juego de la luz y de la sombra lo que crea un aire de vigilante introspección y sordidez. Las formas tienen un sentido del peso y del volumen. Un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad.-

Se puede visitar durante todo el mes de Mayo en el Museo Muncipal de Artes Visuales de Trelew. Esta muestra continuará su viaje....

Muestra LOS TERCIOS de Laura Perez

Esta muestra creada de manera independiente, nacida de la necesidad de mostrar una mirada diferente y del esfuerzo personal, no hubieran sido posibles sin el apoyo de los auspiciantes, colaboradores y amigos incondicionales. El apoyo de aquellas personas que consideran que el arte es una forma de promover la cultura de nuestra región y acompañan el desarrollo de los artistas.

El agradecimiento va para:

Nilda Masoni.

Raquel Caprano por ATECH

Eduardo Raúl Hualpa.

Martín Fernández de Concepto y Leonardo Rago de Proyecto G.

Julio Bence que me ofreció el espacio del Museo de Artes Visuales, trabajo que luego continuó Leonardo Mezzetti.

Walter Cristian Griffiths Y Juan Manuel Rosell, con quien compartimos el trabajo y el esfuerzo.

Aurelia Colinamun, por las cosas ricas.

Diego colinamun, por todo!!

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Algunos Datos:

Laura Pérez nació en Trelew en 1980, se recibió de Asistente en Comunicación Social en 1997. Estudió Diseño Gráfico, donde aprendió técnica fotográfica con Edi Jones en 1999. Se recibió de Secretaria Ejecutiva en el 2000. Cursó dos años el Taller de Estética de la Imagen con Eduardo Gé/Tabóas (2001-2002).

Continúa su capacitación en 2006 con el Seminario Itinerante "No al olvido, Memorias, Fragmentos, Pasiones". Coordinado por los artistas plásticos Eduardo Molinari y Eugenia Bekeris; quien la selecciona en 2007, para ser parte del Libro Colectivo Itinerante "Estrategias de la Resistencia" presentado en el Museo de Arte y Memoria de La Plata.

En su participación de las 5° Jornadas Abiertas de Fotografía (XIV Encuentros Abiertos de Fotografía - FESTIVAL DE LA LUZ) es seleccionada por Silvia Mangialardi, directora de la revista Fotomundo, para publicar su trabajo.

En 2008 asiste al Seminario Internacional "Educar la mirada 3, Cultura visual y educación" dictado por FLACSO y Fundación OSDE. Y en 2009 a la Conferencia "El arte, la comunicación y la pedagogía en la era digital". Dictado por el franco-Canadiense Hervé Fischer.

Ha realizado exposiciones en: Centro Cultural Municipal, Asociación de Culturas del Sur del Mundo, Galería de arte Un Lugar, Galería del Encuentro, Biblioteca Agustín Álvarez y Biblioteca Rodolfo Walsh. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

Fotografía x tres.

2009-04-26T16:17:12+00:00

Desde el año pasado, cuando me ofrecieron el espacio para exponer, estuve trabajando en una nueva muestra de fotografías. Invité a dos amigos a acompañarme en el camino, el diseñador gráfico Walter Griffits de Trelew y el fotógrafo Juan Manuel Rosell de Madryn, y se sumaron con gusto. Para que esta actividad fuera posible contamos con el apoyo de aquellas personas que consideraron que el arte es una forma de promover la cultura de nuestra región; y por suerte fueron apareciendo. Cada uno tenía su propio trabajo personal que se fue gestando en algo cada vez más concreto y así llegamos hasta hoy. El viernes 8 de Mayo a las 20hs., quedaran inauguradas las tres muestras de fotografía, que presento a continuación, en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew (Mitre 350).

If the kids are united...

Autor: Walter Griffiths

www.waltergriffiths.blogspot.com

Desde hace más de diez años su vida gira en torno a la imagen. Como modo de subsistencia y principalmente como fuga y goce.

Es 1977 y el cantante Jimmy Pursey decide formar un grupo de música que fuera portavoz de la clase obrera, su idea original era que la música los uniera en torno a un ideal de justicia y tolerancia. La banda se llama Sham 69 y el tema que resumió todo eso es If The Kids Are United. Justicia y tolerencia punk envase 77.

La primera muestra fotográfica de Wally Griffiths es un recorrido por los diferentes lugares en donde los hijos de la clase obrera hacen música como les sale y donde sea. La muestra logra captar, en una mezcla de fotografías color y blanco y negro, la esencia de quienes trasmiten al público en el momento de subir al escenario.

Walter Griffiths nació en Gaiman en 1975 pero vive en Trelew desde chico. Se dedica a la gráfica desde hace casi diez años, siempre como autodidacta. Trabajó como diseñador digital y desde su taller de serigrafía y estampado textil. Realizó ilustraciones en conjunto con otros artistas, entre ellos la brasilera Simone Mendes. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

Anarkia en ciudad no anarka

Autor: Juan Manuel Rosell

Instalación en base a fotografías. Indicios, registros o imágenes. Variables que son parte del circuito artístico que se conectan y/o tejen un discurso personal que es traducido en un collage. Una opera a partir de registros pasados que han sido realizados en la ciudad de Puerto Madryn durante los últimos cinco años. Un entrecruzamiento generacional que se tensa para poder producir una mirada de la juventud, que es dirigida hacia los mayores, una tentativa posible de unir los gustos que existen entre adolescentes y adultos.

Ecualizar seres humanos es complejo. Pero también es vergonzoso realizar semejante clasificación. Podemos ecualizar estereotipos. Este así, este asa, aquel lo otro, aquello lo mismo; son algunas de las declaraciones que usan las personas para catalogar a un individuo. Pero como podemos realizar esta clasificación sin pecar en clasificarnos a nosotros mismos?. Es simple. Cada individuo es lo que es. Con su pasado se fue curtiendo en diferentes aspectos. Cada individuo es.

Nace en Capital Federal en 1976. A los 7 años llega a Puerto Madryn donde se establece hasta la actualidad. En 1997 toma clases de fotografía con Eduardo Ge Taboas. En el 2006 realiza su primera muestra individual. Fue premiado en el 1º Salón Fotográfico Argentino-Chileno y selecciónado en la 1º Bienal Artes Plásticas Patagónicas. Participo en los colectivos Bocatoma de Trelew y Calamarensutinta de Puerto Madryn. Colabora en diferentes publicaciones, actualmente trabaja como fotógrafo en el Diario de Madryn.

Los Tercios

Autor: Laura Perez (quien lleva adelante este blog)

Los personajes ausentes tienen una relación significativa con la obra. Un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad. Las obras se agrupan en series y en lugar de títulos van acompañadas de textos que ahondan en el concepto sin cerrar el tema a la imaginación del espectador. Apelando a la representación mental de la realidad, la interpretación del concepto. En nuestra limitada percepción del mundo exterior, es tan importante lo que el cerebro espera ver como lo que realmente ve. Lo que vemos y cómo lo vemos varía de acuerdo con experiencias personales previas y con nuestra personalidad. Es el toque subjetivo que da el cerebro a la visión.

Laura Pérez nació en Trelew en 1980, se recibió de Asistente en Comunicación Social en 1997. Estudió Diseño Gráfico, donde aprendió técnica fotográfica con Edi Jones en 1999. Cursó dos años el Taller de Estética de la Imagen con Eduardo Gé/Tabóas. En el 2002 realiza su primera muestra individual. En 2007, fue invitada por Eugenia Bekeris, para ser parte del Libro Colectivo Itinerante "Estrategias de la Resistencia" presentado en el Museo de Arte y Memoria de La Plata. Y es seleccionada por Silvia Mangialardi, directora de la revista Fotomundo, para publicar su trabajo. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

El viernes 8 de Mayo a las 20hs., quedaran inauguradas tres muestras de fotografía en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew (Mitre 350). Se podrá disfrutar del vernissage y la presentación en vivo de la banda Infetus. Estarán en exposición durante todo el mes de Mayo. Posteriormente recorreran otras ciudades la provincia.

Sustancia de lo Abstracto

2009-03-30T20:56:40+00:00

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

La fotografía abstracta es una corriente que existe desde los inicios de la fotografía como un lenguaje autónomo. En ocasiones se debe a ensayos casuales, a búsquedas técnicas, y en otros muchos se debe a una intencionalidad clara, a experimentos con la luz, con el agua, con el viento, con la velocidad, con los colores, efectivamente con lo real. Aunque hay que aclarar que la abstracción* es una incógnita en su propia realidad y muchos la califican como "una sugerencia visual, no un acertijo técnico".

A principios de los años 20, muchos artistas recurrieron a la abstracción en busca de la fotografía absoluta, a través de recursos como el fotograma, la solarización, la macrofotografía, la microfotografía, las vistas inusuales y la fragmentación. Creadores como Carl Strüwe, Jaroslav Rössler, César Domela y Raul Haussmann utilizaron estas técnicas para aportar una nueva visión del mundo y experimentar con nuevos métodos.

En los años 30, se reveló una nueva gama de objetos fotográficos a manos de los sucesores de Bauhaus* en la Escuela de Chicago y de creadores como Ferenc Berko y Willy Kessels.

Al término de la Segunda Guerra Mundial, la fotografía abstracta se vio eclipsada por la fotografía documental, el humanismo y el neorrealismo; y se produjo un abandono generalizado de la experimentación.

Y a partir de los años 50 resurgió en la República Federal de Alemania y en Suiza con la llamada "fotografía subjetiva". De esta forma, bajo el impacto del expresionismo* abstracto, grupos como Fotoform con Peter Keetman, Toni Schneiders y Otto Steinert, recuperaron los métodos e innovaciones estéticas que de la fotografía abstracta. A su vez, en las décadas siguientes, una nueva generación de creadores como Mario Giacomelli, Christian Chad y Vilém Reichmann desarrolló su trabajo en la abstracción.

*1-La abstracción (del latín abstrahere, "separar") es, en filosofía, una operación mental por la que una determinada propiedad de un objeto se aísla conceptualmente, a efectos de reflexionar sobre ella sin tomar en consideración otros rasgos del aquel que momentáneamente se desea ignorar. Si, a partir de la reflexión o la comparación de múltiples objetos, la propiedad que se aísla es lo que se considera común a los mismos, el objeto de la abstracción es un universal; la cuestión de si los universales existen o no de alguna manera separadamente de la reflexión intelectual sobre ellos (es decir, si efectivamente existe algo común a los objetos, más allá de la hipótesis concebida por la persona que los contempla) y, de existir, cuál es su naturaleza, es uno de los temas que más disputas ha producido en metafísica, y uno de los criterios fundamentales que separan a empiristas y realistas.

*2-Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela.

*3- Se destruirá la perspectiva monofocal por el cubismo, se afirma el valor subjetivo del color con el fauvismo y expresionismo, de lo espontáneo e irreal con el dadaísmo y surrealismo. La ruptura con el arte tradicional es total en el color, en el espacio, en la perspectiva, en la representación realista, etc. En pintura este cambio se concretó:

a- rechazo del axioma pinta lo que ves ya que se fundamenta en unas reglas o esquemas convencionales de representar la realidad como la perspectiva y el esfumado. Son principios que se conocen pero no se ven en la realidad
b- se proponen suprimir estos convencionalismo, quieren ver las cosas como niños, por eso recurren a la estampa japonesa, al primitivismo. El artista dejó de ser un fiel transmisor de lo que veía para convertirse en un creador.
c- no interesa el tema ni la forma, quieren crear cosas que no existían antes.
d- buscan la simplicidad, la espontaneidad, lo genuino.