COLOR.

Teoría científica, proceso biológico y herramienta fotográfica.

Este mes, más precisamente el 17 de Mayo, se cumplen 150 años de la primera fotografía a color. La imagen era de un moño de cinta escocesa. El físico escocés James Clerk Maxwell, la presentó como muestra en una clase de teoría del color en a universidad King's College, Londres en 1861.

Entonces, para entender un poco mejor de que se trata y ubicarnos en el tiempo, acá va algo de info:

La fotografía en color que realizó Maxwell en 1861, fue a partir de tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla. La foto se titula Tartan Ribbon y está considerada como la primera fotografía de color permanente. Ésta todavía puede verse en la Universidad de Cambridge. Por primera vez era factible una reproducción en colores realistas. Y muchos años después serviría para la televisión en color. Las más recientes cámaras digitales, inclusive, se valen de este método de separación para capturar la luz.

Louis Ducos du Hauron y Charles Cros, hicieron lo propio basándose en el método sustractivo, en 1862. Utilizaron tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para cada negativo. El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. Luego las imágenes eran sobrepuestas y entregaban una fotografía única conteniendo todos los colores. La complejidad de este método, que requería, como el de Maxwell, la utilización de varios negativos, y la carencia en esa época de emulsiones sensibles, hicieron que la fotografía en color fuera muy difícil de realizar. No eran métodos prácticos ni comercializables.

Hermann W. Vogel en 1873 descubrió que la placa de colodión húmedo, normalmente sólo sensible al azul, podía hacerse más sensible al verde tratándola con algunos tintes de anilina. Esto le llevó a la placa ortocromática o cianotipo, insensible al rojo y todavía supersensible al azul, pero ya se avanzaba en la dirección correcta. La solución para muchos fue pintarlas a mano, con un pincel, técnica que perdura desde entonces y en la actualidad resurgió entre los que quieren dar a sus impresiones digitales y monocromáticas un efecto más "artesanal".

Más tarde (1884) logró sensibilizarla al naranja pero no será hasta 1906, que Wratten y Wainwrigth, en Londres, introduzcan la placa pancromática, sensible a todos los colores del espectro.

Las placas de vidrio Autochrome, o autocromas, salieron al mercado en 1907, siendo el primer sistema comercializado, y el único disponible en color hasta 1935. Se debió a la gran aportación de los franceses Auguste y Louis Lumière, que idearon un sistema de rejilla, en la cual la placa era recubierta de minúsculos granos de fécula de patata, teñidos. Las placas autocromas eran transparencias o diapositivas.

La primera película diapositiva moderna en color fue la Kodachrome, la cual fue introducida en 1935 y fue basada en tres emulsiones coloreadas. La mayoría de las películas modernas en colores, exceptuando la Kodachrome, son basadas en tecnologías descubiertas por Agfacolor en 1936.
En 1942 Eastman Kodak comenzó a producir películas negativas en color de las que se podían obtener copias positivas en color, la Kodacolor.
La película instantánea en colores fue introducida por Polaroid en 1963.

Colorido, coloración, tono, tinte, tonalidad, pigmento, gama, viso. Del Latín color, -oris. Impresión o sensación que producen en la retina del ojo las radiaciones cuya frecuencia pertenece al espectro visible. La percepción del color sigue siendo subjetiva, mi verde azulado puede ser tu azul verdoso.

Después de Newton la ciencia siguió explicando nuestra percepción del color. Sin embargo nadie ve en blanco y negro. Por eso resultó una decepción para los que vieron las primeras fotografías en papel y metal en 1839. Por muy asombrosas, esas imágenes, presentaban tonos monocromos, sombras de marrón o gris plateado.

El color, además de un proceso químico del que ya no debemos preocuparnos, es una herramienta a la hora de crear. Todo fotógrafo depende de la creatividad y los recursos para dar forma a un mensaje al resaltar, reducir o modificar lo esperado. Los fotógrafos tenemos que crear con lo que hay a nuestra disposición y discernir una manera de representar el color que encaje con nuestra estética particular. Nuestra visión, algo único y personal.

Tal vez se ha perdido es el amor por ver en una "mesa de luz" el resultado del trabajo, después de tantas mezclas químicas y de contar unos segundos. Se ha ganado con la tecnología la rapidez, la capacidad de resolución y perfección de las imágenes, los retoques digitales.
Que la imagen y el color sean algo común y corriente para nosotros, que la fotografía blanco y negro se convierta en una bella forma de evocar viejos tiempos, no nos haga olvidar. Hay razones sobradas para celebrar el color, aunque hoy en día no cause mayor impacto, marcó momentos cruciales a lo largo del tiempo y la historia y es la base de la tecnología que tenemos actualmente.

by LP.

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El sector fotográfico evalúa daños tras el desastre en Japón

Aunque pueda parecer precipitado -e incluso frívolo- hablar de cifras económicas tras el terremoto sufrido por Japón cuando ni siquiera el número de víctimas se ha cerrado y la alerta nuclear sigue activa, las consecuencias que este desastre puede tener en la industria fotográfica comienzan ya a saltar a los titulares. Si bien por ahora resulta dificil concretar estos efectos, Fujifilm, por ejemplo, ya ha confirmado un retraso en la producción de la FinePix X100. La parada en la planta de Sendai de Nikon también lleva a pensar en reajustes en en el calendario de futuros modelos de gama profesional.

Decenas de factorías afectadas

En el caso de Canon, casi una decena de factorías se han visto afectadas y una quincena de trabajadores resultaron heridos. Según los datos publicados, todas ellas permanecían paradas ayer lunes, sin datos concretos sobre su vuelta a la normalidad.

En una de las más dañadas -situada en Utsunomiya, ya se da por hecho que será necesario un tiempo considerable antes de poder recuperar las operaciones. Según el comunicado emitido por Canon, en caso de que fuera necesario más de un mes para restrablecer la producción, se plantearía la posibilidad de trasladarla a otras plantas.

Sony ha sido otra de las más afectadas. El mismo viernes Bloomberg informaba sobra la evacuación y el cierre de media docena de factorías de la multinacional. En un comunicado más reciente remitido ayer por Sony España se enumeran un total de ocho fábricas que han detenido su producción. Las dos situadas en la prefectura de Miyagi y Fukushima se encuentran entre las más afectadas, e incluyen entre sus líneas de productos los semiconductores (usados en los captores CMOS) y dispositivos ópticos.

Desde Olympus Europa explican que todas sus factorías de cámaras están fuera de Japón, por lo que no preveen ningún retraso relevante en la operación actual, más allá del generado por las cadenas de suministro a nivel global, que afectan a todas las compañías. A la hora de redactar esta información, Hoya Corporation (propietaria de Pentax) tampoco se ha pronunciado sobre las consecuencias del desastre.

En el caso de Panasonic, aunque su central operativa se sitúa en Osaka, las planta de Yamagata (en la que se producen algunas de las Lumix compactas de gama alta y las Lumix G y que fue visitada por este medio el pasado año) y Fukushima sí se han visto dañadas, aunque por ahora no han trascendido más detalles.

Nikon, por su parte, ha hecho público un comunicado en el que, entre otras medidas, se anuncia la paralización momentánea de la producción en su factoría de Sendai, donde se fabrican las réflex y ópticas de gama profesional.

Comunicado de Nikon

Comunicación sobre los daños afectados por el terremoto en el norte de Japón (la región de Tohoku, Japón)

14 de marzo 2011

El Grupo de Nikon desea expresar su profunda simpatía y condolencias a las víctimas del terremoto en terremoto en el norte de Japón (la región de Tohoku, Japón) el 11 de marzo. Los efectos de las empresas de nuestro grupo son los siguientes.

1. Medidas para hacer frente a las situaciones
Hemos establecido la sede de Emergencia para el Control de Desastres encabezado por el Presidente el 11 de marzo inmediatamente después del terremoto, y están tomando las medidas necesarias. En estos momentos estamos tratando de normalizar nuestro negocio lo antes posible a través de nuestra BCM (Business Continuity Management) los equipos ya establecidos en cada compañía en casa.
2. El daño a las empresas de nuestro grupo

2-1. Los daños a los equipos y edificios
* Para la lista de las empresas de nuestro grupo
* La lista de las plantas

2-2. Daños al personal
Lesiones se informa que algunos de los empleados de nuestro grupo. En este momento continuamos para reunir información sobre la seguridad de nuestro personal y sus familiares.

3. Pronóstico del efecto por el daño a las actuaciones de nuestro negocio
Estamos concentrados en la evaluación de cómo el daño inmediato por el desastre y la interrupción controlada de la electricidad comenzó del 14 de marzo dará lugar a nuestro grupo de compañías y espectáculos de negocios. Nosotros asesoramos a nuestros resultados de inmediato cuando se reveló que el mayor daño se expanda.

FUENTE: www.quesabesde.com

El fotógrafo danés Jan Grarup adelantó parte del trabajo que viene realizando en Ucrania. Se trata de una serie de imágenes que tomó para la fundación NOOR -con sede en Amsterdam- y que muestra a Chernobyl 25 años después de la explosión de su central atómica.

Pueden verlo en este link:

De Japón a Chernobyl

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Artes visuales y nuevas tecnologías.

Por Laura Pérez.

El lunes fui a escuchar la conferencia acerca de el arte, la comunicación y la pedagogía en la era digital que dictaba el franco-Canadiense Hervé Fischer en la Universidad Nacional de la Patagonia sede Trelew.

Además de haber escrito libros como Arte y comunicación marginal, La Historia del arte ha terminado y El choque digital; Hervé Fischer es artista- filósofo, fundador del "Arte Sociológico" (1971) fue iniciador de proyectos de participación popular con la radio, la prensa y la televisión y habla varios idiomas.

A modo de auto presentación nos dice "Yo soy como Fidel Castro, hablo demasiado". Y continúa:

"No se puede obviar la herramienta fundamental que significa lo digital para el contacto con el mundo. Tiene un impacto muy importante en el desarrollo de la democracia. Es una revolución. Claro que hay una brecha digital, muchos tienen tres o cuatro computadoras y otros no tienen nada. Tenemos un millones de personas que no saben leer y escribir, pero algunos aprenden más rápido a manejar computadoras."

"Estamos en una sociedad de pantallas, no de espectáculos. Tenemos una relación social a través de una pantalla. La red es un océano con una profundidad enorme. Por supuesto que el desafío son los jóvenes; porque nosotros, por lo menos yo, somos inmigrantes en lo digital; ellos son nativos."

Sin embargo, y aquí la charla toca un punto de quiebre, presenta las variantes que hay que tener en cuenta para que la realidad virtual no se convierta en la única realidad posible.

"Tenemos primero que reconocer el poder de lo digital. Es la idea del arte digital reunir a la literatura, la pintura, el cine, la arquitectura. Además, un artista con pinceles es del siglo pasado, pero uno con computadora es actual. A la vez, una obra digital no tiene memoria, pierde vigencia, no se puede conservar. Estamos entonces en una doble crisis del arte."

Multisensorial vs. Multimedia.

Mientras nos muestra en el proyector imágenes de pinturas clásicas y obras digitales, nos explica:

"Algunas obras clásicas transmiten sensaciones, movimiento, sensualidad. Se pueden leer y escuchar. Y para mi eso es más que multimedia. Por otro lado la participación del público en lo digital tiene valor. Está el aspecto pedagógico de entrar en el proceso de creación y el acceso a la cultura. La interactividad tiene mucha seducción, si tenemos más interactividad tenemos más poder. Pero hay más interactividad en cerebro, no podemos limitarla a la herramienta que es muy limitada. Lo digo de manera provocativa porque yo pienso que la interactividad no tiene un valor importante para el arte. Si lo es para la sociedad, la ciencia, la pedagogía, la recreación."

Plantea otra problemática ¿por qué la tecnología digital afecta tanto a las artes visuales y no a la música o la literatura? Y esta creo es una pregunta fundamental.

"Estamos en la era de las imágenes, que son tan numerosas que se matan una a la otra. Para el artista, crear una imagen más es una causa desesperada. El arte como vanguardia, como en los 60´s y 70´s, se ha acabado.Yo me pregunto ¿cómo seguir? El artista no tiene más su poder mágico, su poder de impacto.Yo creo que hay que reanalizar que es el arte visual, que es lo importante.

Al fin del siglo pasado me he dado cuenta que el arte vale en su tradición. El problema del arte digital es que esta vinculado con el avance de la tecnología; más sofisticado con las herramientas más rápido queda viejo. No podemos vincular al Arte con la lógica del progreso tecnológico."

Ahora nos muestra algunas de sus obras.

"Una hipótesis es que la pintura sigue con temáticas que no son actuales. El mundo de hoy es financiero, económico, de tecnociencia, de genética y ecología. ¿Como tocar esos temas con pintura de óleo sobre bastidor? Para el filósofo como para el artista o el escritor hay que preguntarse si estamos evocando temas de mundo de hoy. Tenemos que reaccionar al mundo de hoy; que sea para explorarlo, para rechazarlo o para criticarlo. Ese es el problema que encontré. Hoy estamos con ondas, frecuencias, código binario. El código de barras es el símbolo de hoy."

Y explica de qué tratan sus obras: "El cielo de hoy no es más algo romántico, es donde vamos con un avión, cuanto cuesta el pasaje, cuantos pasajeros entran en el avión, es cantidad. También es lo económico y la desigualdad. No es más el viento, el sol, es la variación de la bolsa que hace la felicidad y el impacto sobre los que desconocen el tema y tienen dependencia a ese juego. Yo intento pintar los iconos de la era digital porque seguimos con íconos (como en la pintura rupestre).

Desde el desarrollo espectacular de las nuevas tecnologías numéricas de comunicación, hemos entrado en una fase de convergencia integradora. Y, conocimos un gran tiempo, los años locos de lo numérico. Se habla de tecnologías, de planes de asuntos, y de contabilidad, el hecho de que la economía se base en gran medida en los impulsos del imaginario. El mito de la convergencia tecnológica universal. La convergencia llamaba sobre todo a la amalgama de los medios de comunicación y contenidos. Se nos supondría ser así más felices, más potentes, más ricos. Estamos pues en el momento en que después de haber celebrado a un costo asombroso la ilusión de convergencia, que es ciertamente más seductora que la fragmentación, redescubrimos que es en la fragmentación y en la reespecificación de los usos del numéricos, que vamos a descubrir los usos sociales.

El arte digital no tiene materia. El teclado programa menos que el cerebro humano, la mano del pintor programa más que el ratón, porque inventa, es inédita, no tiene límites. La inteligencia de la filosofía y fisiología humana tiene más poder de divergencia y enriquecimiento.

Entonces, es posible mediante la divergencia y la creación. Tenemos que seguir con esa idea teniendo como herramienta la responsabilidad y la ética; que son cualidades humanas. Toda la historia del arte es divergencia. Crear el sentido nosotros mismos del futuro. Cuanto más poder tecnocientífico, mas ética necesitamos y de eso también tiene que hablar el arte."

Web:

 www.hervefischer.net

 www.hervefischer.com

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Curso de Fotografía

ESTETICA Y NARRATIVA DE LA FOTOGRAFÍA

NIVEL I

1.1 ENCUADRE DE LA FOTOGRAFÍA.

 Encuadrar es la acción de seleccionar, a través del visor, aquello que el fotógrafo desea captar en una fotografía. Encuadrar significa, por tanto, establecer los límites de la fotografía y decidir qué elementos aparecerán en la imagen. Esta decisión tiene una gran importancia, ya que el tema de la fotografía está en función de los elementos que se incluyan en el encuadre.

Una de las muchas características de las cámaras digitales consiste en su capacidad de aplicar el método de "apuntar y disparar", sin que sea imprescindible un control manual sobre los parámetros de exposición. Sin embargo, si no se presta atención a los elementos que aparecen en el visor, que son los que conforman la fotografía, se corre el riesgo de malograr la toma. Una máxima a recordar consiste en que en la fotografía sólo deben aparecer los elementos que facilitan la comprensión del tema y, en su caso, aquellos que pueden ayudar a potenciar la intención del fotógrafo.

El fotógrafo debe dedicar tiempo a analizar todo aquello que ve a través del visor y ser capaz de seleccionar sólo lo estrictamente imprescindible. Por lo general, una fotografía será más fácil de comprender para el espectador cuantos menos elementos contenga. En este sentido, la imagen debe incluir sólo lo que sintetice la intención expresiva o comunicativa del fotógrafo.

En estas cuatro fotografías puede apreciarse la importancia del encuadre. Un mismo escenario puede contener diversas fotografías posibles. En el plano general se aprecia la totalidad de la escena; en la segunda se otorga protagonismo al edificio; en la tercera, la fragmentación potencia el grafismo y las figuras; por último, la cuarta toma permite establecer una clara comparación entre la grandiosidad del edificio y la minúsculas  figuras de la parte inferior izquierda.

 Cómo encuadrar mejor

 La mejor fórmula para aprender a encuadrar lo estrictamente necesario es muy simple pero, al principio, requiere un poco de paciencia. Resulta imprescindible dedicar un cierto tiempo a analizar todo lo que aparece en el visor.

Una vez que el fotógrafo ha decidido la posición, el ángulo de toma y la distancia de trabajo, debe comprobar si todo lo que aparece en el visor resulta necesario en la fotografía. Si algo no favorece a la imagen, se debe cambiar la posición, intentar modificarlo o, en último caso, esperar a que las condiciones puedan ser más favorables para la toma.

El entorno del motivo principal, el fondo, los colores, la posición del sol y la importancia de las sombras, son los aspectos fundamentales que se deben controlar. Un entorno confuso cerca del motivo, fondos demasiado claros o gráficamente muy potentes, colores llamativos en el entorno o el sol situado detrás del protagonista, pueden hacer que la toma no cumpla con los requisitos mínimos para ser considerada una buena fotografía.

CONSEJO: Concretar el tema

 Cuando en fotografía se hace referencia al tema, se suelen incluir en este concepto dos grandes posibilidades: el propio contenido de la fotografía y el género fotográfico al que pueda pertenecer (paisaje, retrato, reportaje, etc.). Por ejemplo, una fotografía puede tener como tema el retrato y formar parte de un reportaje. O, quizá, el tema podría ser la contaminación ambiental y la fotografía, es decir, el género, de paisaje. En nuestro caso, cuando hacemos referencia al tema nos estamos refiriendo al contenido de la fotografía, no al género a que ésta pertenece

Un plano general de un parque dificulta la comprensión de la escena. Resulta casi imposible saber qué quiere transmitir el fotógrafo. En la segunda toma, realizada a corta distancia, el tema queda perfectamente definido

Como ya se ha indicado, el mejor método para definir el tema consiste en incluir pocos elementos en la fotografía. Basta una rápida observación de las fotografías publicadas en revistas, periódicos y anuncios publicitarios para comprobar que las imágenes constan de muy pocos elementos. En muchos casos la fotografía tiene un solo elemento. A mayor número de elementos mayor puede ser la confusión del espectador.

CONSEJO: Cuanto más cerca mejor

Uno de los aspectos que suele tener muy en cuenta el fotógrafo experimentado es la distancia a la que se toma la fotografía. El mejor consejo consiste en tomar la fotografía a la menor distancia posible. Por el contrario, el fotógrafo principiante suele tener una cierta tendencia a pensar que cuanto más lejana sea la toma más espontánea será la fotografía.

Las tomas cercanas transmiten sensación de proximidad y calidez, especialmente en temas humanos. Las fotografías tomadas a corta distancia, al excluir entornos poco adecuados, son mucho más espectaculares y potencian el protagonismo del motivo.

 Acercarse con la cámara

Siempre que sea posible, resulta más recomendable acercarse con la cámara que con el zoom en posición de teleobjetivo. El acercamiento óptico, mediante el zoom incorporado a la cámara, provoca una compresión de la perspectiva y la imagen transmite una cierta sensación de distanciamiento. Por el contrario, una toma cercana y realizada con el zoom en posición de angular, transmite una mayor implicación en el tema y el espectador lo percibe como algo más próximo. Las dos opciones pueden ser válidas, todo dependerá de las intenciones del fotógrafo, pero no hay duda que la proximidad sorprende mucho más al espectador que la lejanía.

La primera toma se ha realizado demasiado lejos y desde un punto de vista excesivamente elevado. Por el contrario, en la segunda se ha reducido la distancia de toma, se ha bajado el punto de vista y se ha mejorado la iluminación.

Destacar el motivo

Una excelente forma de reforzar el protagonismo del motivo consiste en enmarcarlo o realzarlo mediante el entorno. Por ejemplo, una persona asomada en una ventana, situada en una zona iluminada por un rayo de sol, o en un claro entre la vegetación, son algunas de las diversas fórmulas para destacar el motivo aprovechando el entorno que lo rodea.

Este método también es muy utilizado para transmitir situaciones o sensaciones relacionadas con la intimidad, la calidez o, incluso, la claustrofobia o el agobio.

Vertical/horizontal

En la fotografía digital, y especialmente según el tipo de cámara que se utilice, se tiende a tomar las fotografías en sentido horizontal. Ello comporta una mayor comodidad en el visionado, ya sea a través de la pantalla LCD o del monitor del ordenador. Sin embargo, esta comodidad no significa que, como en la fotografía química, no deba tenerse en cuenta la orientación del formato.

Naturalmente, la decisión última la tiene el fotógrafo, pero resulta fácil encontrar situaciones en las que el formato vertical puede resultar más interesante que el vertical y viceversa.

Pasar de un formato horizontal al vertical, o al revés, no sólo es un cambio estético, al modificar el encuadre y la composición se pueden producir cambios en el contenido de la fotografía. El fotógrafo debe controlar si el cambio resulta positivo tanto en la composición como en la fuerza estética y expresiva de la fotografía.

La toma vertical ofrece una visión limitada de la escena, mientras que la horizontal mejora notablemente el interés de la fotografía. La inclusión de la columna en el tercio de la izquierda contribuye a reforzar la sensación de perspectiva y profundidad

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NOTA: El Curso de Fotografía Digital Nikon ha sido desarrollado en estrecha cooperación con la Escuela de Fotografía y Diseño IDEP de Barcelona. El Curso se estructura en cuatro niveles. Cada uno de los niveles contiene diversas lecciones que incluyen contenidos de las cuatro grandes áreas de conocimiento:

1 Estética y narrativa de la fotografía

2 Técnicas de la fotografía digital

3 Retoque y manipulación de las imágenes

4 La fotografía digital en la práctica

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Una sobre nuevas tecnologías

Adobe presenta Photoshop Lightroom 1.0
Adobe Systems Incorporated anunció que el software Adobe Photoshop® Lightroom™ 1.0 ya está disponible para pedidos y se espera su distribución para mediados de febrero de 2007.

Innovaciones de las funciones de Lightroom

Photoshop Lightroom incluye nuevas funciones que se han agregado desde el beta 4.1, con cambios significativos a los módulos Biblioteca y Revelado que complementan las mejoras a componentes de Slideshow, Impresión y Web. En el módulo Biblioteca, nuevas y avanzadas herramientas de palabras clave ayudan a los fotógrafos a buscar entre enormes colecciones, y un diálogo de importación mejorado con un manejo de archivos más flexible permite mayor capacidad de selección al determinar la ubicación de los archivos. El nuevo Key Metadata Browser provee rápido acceso a etiquetas clave de información con catalogación y sistema de rastreo mejorados que ahora incorporan etiquetas por colores y un sistema de escoger / rechazar que clasifica y localiza a los fotógrafos más rápido que nunca. En el módulo Revelado, las herramientas Virtual Copies y Snapshot ayudan a presentar versiones múltiples de la misma imagen, proveyendo mayor capacidad de selección a los clientes sin la confusión de guardar versiones físicas por separado.

Otras herramientas que se han incorporado incluyen una herramienta de ajuste de Tonalidad, Saturación y Luminosidad para ediciones de imágenes precisas e intuitivas. Las funciones de Clone y Healing ofrecen ediciones no destructivas para eliminar el polvo del sensor en una o varias imágenes.

Procesamiento de alta calidad de imágenes Raw

Photoshop Lightroom se basa en la tecnología Adobe Camera Raw y soporta más de 150 formatos de archivo nativos, además de JPEG y TIFF, llevando la conversión Raw a una sola experiencia de flujo de trabajo. Los modelos de cámara más recientes para los que se incluye soporte incluyen Nikon D 40 y D80, y Pentax K10D. Este soporte significa que los fotógrafos pueden usar Lightroom incluso con las cámaras más nuevas del mercado. Apenas importados, los archivos pueden convertirse a la especificación Dgital Negative (DNG) o cambiar de nombre y segmentarse por carpeta o fecha. DNG es una iniciativa de la industria para crear un formato de archivo universal que solucione los problemas de archivo y flujo de trabajo. Ha sido creado para eliminar las barreras de la adopción de cámaras nuevas y dar a los fotógrafos profesionales la seguridad de que el cuerpo digital de su trabajo está archivado de manera segura y permanecerá accesible sin importar la evolución de la tecnología de la imagen.

Para mayor información: www.adobe.com/ y para Adobe Latinoamérica: www.latinamerica.adobe.com/

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