Construcción colectiva.

Por Laura Perez.

Recibo una convocatoria por mail que dice: Compilación de Manuscritos. Me la manda la artista plástica y amiga Adriana Lombardozzi, que explica "para lanzar mi nuevo Proyecto Artístico. Porque creo en vos, es que te convoco a que participes, junto a todas aquellas personas que vos quieras invitar".

 ¿Esta propuesta tiene relación con otros trabajos que venís haciendo? ¿Hay algo que puedas contarme de como surge la idea primaria?

Cabos aparentemente sueltos -aclara-. En el año 2004, comencé con la idea de un Libro de interacción: una imagen, un relato. A partir de algunas imágenes, que partieron de mí, la persona que la recibía, escribía uno o varios relatos y, a su vez realizaba una o varias imágenes para pasárselas a otras personas. En cuanto al relato, lo solicitado era que sea manuscrito, para que permaneciera la caligrafía única e irrepetible de ese ser. Esta propuesta tuvo un buen impulso inicial pero actualmente está "estancada", habiendo obtenido relativamente pocas producciones de regreso.

 En el 2005 -continúa-, por necesidades familiares, comencé a hacer experiencias tiñendo hojas de distintos colores, para luego darle un aspecto envejecido. Automáticamente tuve la urgencia de buscar los cientos de bocetos que había realizado durante mi paso por la Escuela Nacional de Bellas Artes y someterlos al mismo proceso. Quería realizar con ellos "un libro", con tapas de madera. Al teñir las hojas los bocetos, en su mayoría "desaparecieron", lo que me llevó a hacer nuevos dibujos sobre ellos. No los terminé, no lo encuaderné.

A fines del 2008, comencé a indagar en los trazos de la caligrafía china, tibetana, del sánscrito, etc. Inicialmente sólo como un juego visual, terminé realizando los trazos sobre el libro "envejecido", impresos con escritura occidental.

 Me pareció interesante pensar en el "entramado" desde el punto de vista estético y cultural. La idea es trabajar con la comunidad, valorizando su caligrafía como signos emergentes de su propio ser en el mundo. El libro que sería un constante "work in progress" y que formarán parte de los libros/cajas -vuelve sobre esta reunión de manuscritos que conformarán una nueva obra para este año- , probablemente llegue a tener varios tomos. Sus cubiertas estarán trabajadas a la manera de los libros antiguos "tesoros", objetos de mucho valor, que, lejos de pertenecer al pasado lejano, guardan los manuscritos de la sociedad contemporánea.

 ¿Que tipo de textos te interesan?

 Adriana: A mí solo me interesa un texto donde aparezca "TU LETRA". Eso es lo importante en esta propuesta. Eso es lo que yo quiero rescatar. Después, el tema del mensaje ya es cuestión del dueño de la letra -se ríe-. Hay gente que me va a dar un resumen de la facultad, porque dicen que eso significa mucho para ellos, en este momento.

 ¿Qué te motivó a lanzar este proyecto?

 Adriana: Hace tiempo que me inquieta pensar en la pérdida de la individualidad del trazo en la caligrafía de cada persona. Con los avances tecnológicos y la era de la informática, hoy se "vive" una formalización de la tipografía, que se limita a los variados, pero estándares, caracteres que los programas informáticos nos ofrecen. En las escuelas y universidades se exige, cada vez más, la entrega de los trabajos impresos por computadora, en pos de la "prolijidad". ¿Dónde quedó la importancia de la prolijidad de la grafía manuscrita?

Rescatar lo personal, lo característico, lo distintivo de la letra de cada uno, el valor del gesto en la escritura, es lo que me mueve hoy a plantear este proyecto- hoy, después de haber podido hacer un cierre en su vida, tanto a nivel simbólico como real, cree que esos temas que dejó en suspenso están íntimamente relacionados entre sí, y siguen teniendo un profundo peso-. Es por eso que te estoy invitando a que escribas "algo", de la extensión que desees, en hojas del tamaño y forma que quieras y que, por favor, invites a tus familiares, amigos, vecinos a hacer lo mismo. Cuando vos me digas yo paso a buscarlos, por el lugar convenido -lanza esta propuesta para todos aquellos que deseen participar-. La idea es que todos seamos protagonistas de la futura muestra, que todas nuestras formas de caligrafía queden reunidas como símbolo de la exclusividad del ser individual, propio y especial que es cada persona en el mundo y, finalmente, que sea un motivo para un sensible encuentro -concluye Adriana-.

Contacto: adrianalomb@hotmail.com

Gracias Adriana Lombardozzi!

Esta artista es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en la especialidad de Escultura y cursó luego la Licenciatura en Artes Visuales en el IUNA. Complementó sus estudios académicos concurriendo a los talleres del escultor Juan Maffi y de Pintura en el del profesor Horacio D' Alessandro. Permanentemente realiza cursos de actualización, especialmente de Estética e Historia del Arte. Realizó exposiciones individuales y colectivas. Participó en Salones Provinciales y Municipales obteniendo premios y menciones. Fue jurado en ambas instancias así como también del concurso "Premio Federal" año 2001 organizado por el Consejo Federal de Inversiones. Actualmente se desempeña como Docente de Arte en el nivel Polimodal y en el nivel Superior del Instituto Superior de Formación Docente Artística Nº 805 de Trelew.

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Rememorar nuestros juegos ilumina nuestra memoria.

por Jorge Spíndola.

Este lunes, 20 de julio, a las 12 horas inaugura la tercera muestra del Museo del Juego y el Juguete en la Walsh. Mitre 74 de Trelew. Se lo podrá visitar durante una semana, de 12 a 20 horas.

La idea de un Museo de juegos y juguetes surge como resultado de nuestro interés por el mundo del juego, su evolución en el tiempo, la lectura de los cambios sociales a través de este mundo y, en consecuencia, el conocimiento de la historia del hombre como sujeto lúdico. Nuestra constante búsqueda nos ha llevado a la ceación del Museo del Juego y el Juguete. Por la importancia que tiene el juego en lo cultural, en la integración social, en lo educativo, en la necesidad de un espacio de esparcimiento para toda la familia, en definitiva, por la trascendencia que tiene el jugar en la vida misma, creemos que rescatar y resguardar estos valores nos permite conocer, trasmitir y enriquecer nuestra identidad.  

Beatriz Villareal, Myrian Villarreal y Marisa Barrientos son ludoeducadoras fundadoras del Museo.  

"En media hora de juego podemos descubrir mejor a una persona que en un año de conversación" Platón  

La exposición cuenta con más de 160 juegos y juguetes, con algunos de los cuales está permitido jugar. Algunos de estos 160 juguetes son: Muñeco musical de madera de 1911 Bolero de madera de 1940 Juego de loza de 1950 Sonajero de bebé de 1950 Tren de metal a cuerda decáda del ´40 Muñequita en miniatura de porcelana de 1930 Juegos tradicionales artesanales (de los que se hacían en casa) pelota de trapo, biyarda, rayuela, payana, Trompos, perinolas, tabas. Juegos de mesa: El mago Chan, El Estanciero, Computadora Galaxia, Ajedrez artesanal y muchos más. Autitos de metal Matarazzo, Volgo. Lanchita Pof-pof década del 50 Muñecos Jack 1970 Muñecas Rayito de Sol 1970 Muñecas Piel Rose -1960 Juego de té y heladera de metal. 1970  

Libros y revistas infantiles: de finales del 30 en adelante. Discos y tocadiscos: Margarito Tereré, Julieta Magaña, Parchís, Heidi, Gaby, Fofó y Miliqui, Pipo Pescador, Petete, etc. Fotografías: juguetes que perduran en nuestra memoria pero que se perdieron físicamente. Material Gráfico: publicidades de las primeras marcas en el país Otros soportes: diapositivas (década del 70) y proyección en Cine-Graf.  

Estas son sólo algunas de las maravillas con las que se van a encontrar.   Por otro lado tenemos intención de realizar un "Anecdotario", con historias de vida, recuerdos de todas las infancias, juguetes que inventábamos.Porque, si bien hay abundante material sobre historias del juego en el país, aún falta construir nuestra propia mirada respecto de los juegos que se jugaban y se juegan en Patagonia.  

Entrada general: $5 Nota: si embocás el balero  no pagás entrada (tenés 3 oportunidades)   Del lunes 20 al domingo 26 inclusive, de 12 a 20 hs. (pensando en los empleados de comercio) Biblioteca Rodolfo Walsh- Mitre 74- Trelew

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Fotografía x tres.

Desde el año pasado, cuando me ofrecieron el espacio para exponer, estuve trabajando en una nueva muestra de fotografías. Invité a dos amigos a acompañarme en el camino, el diseñador gráfico Walter Griffits de Trelew y el fotógrafo Juan Manuel Rosell de Madryn, y  se sumaron con gusto. Para que esta actividad fuera posible contamos con el apoyo de aquellas personas que consideraron que el arte es una forma de promover la cultura de nuestra región; y por suerte fueron apareciendo. Cada uno tenía su propio trabajo personal que se fue gestando en algo cada vez más concreto y así llegamos hasta hoy. El viernes 8 de Mayo a las 20hs., quedaran inauguradas las tres muestras de fotografía, que presento a continuación, en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew (Mitre 350).

If the kids are united...

Autor: Walter Griffiths

www.waltergriffiths.blogspot.com

Desde hace más de diez años su vida gira  en torno a la imagen. Como modo de subsistencia y principalmente como fuga y goce.

Es 1977 y el cantante Jimmy Pursey decide formar un grupo de música que fuera portavoz de la clase obrera, su idea original era que la música los uniera en torno a un ideal de justicia y tolerancia. La banda se llama Sham 69 y el tema que resumió todo eso es If The Kids Are United. Justicia y tolerencia punk envase 77.

La primera muestra fotográfica de Wally Griffiths es un recorrido por los diferentes lugares en donde los hijos de la clase obrera hacen música como les sale y donde sea. La muestra logra captar, en una mezcla de fotografías color y blanco y negro, la esencia de quienes trasmiten al público en el momento de subir al escenario.

Walter Griffiths nació en Gaiman en 1975 pero vive en Trelew desde chico. Se dedica a la gráfica desde hace casi diez años, siempre como autodidacta. Trabajó como diseñador digital y desde su taller de serigrafía y estampado textil. Realizó ilustraciones en conjunto con otros artistas, entre ellos la brasilera Simone Mendes. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

Anarkia en ciudad no anarka

Autor: Juan Manuel Rosell

Instalación en base a fotografías. Indicios, registros o imágenes. Variables que son parte del circuito artístico que se conectan y/o tejen un discurso personal que es traducido en un collage. Una opera a partir de registros pasados que han sido realizados en la ciudad de Puerto Madryn durante los últimos cinco años. Un entrecruzamiento generacional que se tensa para poder producir una mirada de la juventud, que es dirigida hacia los mayores, una tentativa posible de unir los gustos que existen  entre adolescentes y adultos.

Ecualizar seres humanos es complejo. Pero también es vergonzoso realizar semejante clasificación. Podemos ecualizar estereotipos. Este así, este asa, aquel lo otro, aquello lo mismo; son algunas de las declaraciones que usan las personas para catalogar a un individuo. Pero como podemos realizar esta clasificación sin pecar en clasificarnos a nosotros mismos?. Es simple. Cada individuo es lo que es. Con su pasado se fue curtiendo en diferentes aspectos. Cada individuo es.

Nace en Capital Federal en 1976.  A los 7 años llega a Puerto Madryn donde se establece hasta la actualidad. En 1997 toma clases de fotografía con Eduardo Ge Taboas. En el 2006 realiza su primera muestra individual. Fue premiado en el 1º Salón Fotográfico Argentino-Chileno y selecciónado en la 1º Bienal Artes Plásticas Patagónicas. Participo en los colectivos Bocatoma de Trelew y Calamarensutinta de Puerto Madryn. Colabora en diferentes publicaciones, actualmente trabaja como fotógrafo en el Diario de Madryn.

Los Tercios

Autor: Laura Perez (quien lleva adelante este blog)

Los personajes ausentes tienen una relación significativa con la obra. Un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad. Las obras se agrupan en series y en lugar de títulos van acompañadas de textos que ahondan en el concepto sin cerrar el tema a la imaginación del espectador. Apelando a la representación mental de la realidad, la interpretación del concepto. En nuestra limitada percepción del mundo exterior, es tan importante lo que el cerebro espera ver como lo que realmente ve. Lo que vemos y cómo lo vemos varía de acuerdo con experiencias personales previas y con nuestra personalidad. Es el toque subjetivo que da el cerebro a la visión.

Laura Pérez nació en Trelew en 1980, se recibió de Asistente en Comunicación Social en 1997. Estudió Diseño Gráfico, donde aprendió técnica fotográfica con Edi Jones en 1999. Cursó dos años el Taller de Estética de la Imagen con Eduardo Gé/Tabóas. En el 2002 realiza su primera muestra individual. En 2007, fue invitada por Eugenia Bekeris, para ser parte del Libro Colectivo Itinerante "Estrategias de la Resistencia" presentado en el Museo de Arte y Memoria de La Plata. Y es seleccionada por Silvia Mangialardi, directora de la revista Fotomundo, para publicar su trabajo. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

El viernes 8 de Mayo a las 20hs., quedaran inauguradas tres muestras de fotografía en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew (Mitre 350). Se podrá disfrutar del vernissage y la presentación en vivo de la banda Infetus. Estarán en exposición durante todo el mes de Mayo. Posteriormente recorreran otras ciudades la provincia.

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Artes visuales y nuevas tecnologías.

Por Laura Pérez.

El lunes fui a escuchar la conferencia acerca de el arte, la comunicación y la pedagogía en la era digital que dictaba el franco-Canadiense Hervé Fischer en la Universidad Nacional de la Patagonia sede Trelew.

Además de haber escrito libros como Arte y comunicación marginal, La Historia del arte ha terminado y El choque digital; Hervé Fischer es artista- filósofo, fundador del "Arte Sociológico" (1971) fue iniciador de proyectos de participación popular con la radio, la prensa y la televisión y habla varios idiomas.

A modo de auto presentación nos dice "Yo soy como Fidel Castro, hablo demasiado". Y continúa:

"No se puede obviar la herramienta fundamental que significa lo digital para el contacto con el mundo. Tiene un impacto muy importante en el desarrollo de la democracia. Es una revolución. Claro que hay una brecha digital, muchos tienen tres o cuatro computadoras y otros no tienen nada. Tenemos un millones de personas que no saben leer y escribir, pero algunos aprenden más rápido a manejar computadoras."

"Estamos en una sociedad de pantallas, no de espectáculos. Tenemos una relación social a través de una pantalla. La red es un océano con una profundidad enorme. Por supuesto que el desafío son los jóvenes; porque nosotros, por lo menos yo, somos inmigrantes en lo digital; ellos son nativos."

Sin embargo, y aquí la charla toca un punto de quiebre, presenta las variantes que hay que tener en cuenta para que la realidad virtual no se convierta en la única realidad posible.

"Tenemos primero que reconocer el poder de lo digital. Es la idea del arte digital reunir a la literatura, la pintura, el cine, la arquitectura. Además, un artista con pinceles es del siglo pasado, pero uno con computadora es actual. A la vez, una obra digital no tiene memoria, pierde vigencia, no se puede conservar. Estamos entonces en una doble crisis del arte."

Multisensorial vs. Multimedia.

Mientras nos muestra en el proyector imágenes de pinturas clásicas y obras digitales, nos explica:

"Algunas obras clásicas transmiten sensaciones, movimiento, sensualidad. Se pueden leer y escuchar. Y para mi eso es más que multimedia. Por otro lado la participación del público en lo digital tiene valor. Está el aspecto pedagógico de entrar en el proceso de creación y el acceso a la cultura. La interactividad tiene mucha seducción, si tenemos más interactividad tenemos más poder. Pero hay más interactividad en cerebro, no podemos limitarla a la herramienta que es muy limitada. Lo digo de manera provocativa porque yo pienso que la interactividad no tiene un valor importante para el arte. Si lo es para la sociedad, la ciencia, la pedagogía, la recreación."

Plantea otra problemática ¿por qué la tecnología digital afecta tanto a las artes visuales y no a la música o la literatura? Y esta creo es una pregunta fundamental.

"Estamos en la era de las imágenes, que son tan numerosas que se matan una a la otra. Para el artista, crear una imagen más es una causa desesperada. El arte como vanguardia, como en los 60´s y 70´s, se ha acabado.Yo me pregunto ¿cómo seguir? El artista no tiene más su poder mágico, su poder de impacto.Yo creo que hay que reanalizar que es el arte visual, que es lo importante.

Al fin del siglo pasado me he dado cuenta que el arte vale en su tradición. El problema del arte digital es que esta vinculado con el avance de la tecnología; más sofisticado con las herramientas más rápido queda viejo. No podemos vincular al Arte con la lógica del progreso tecnológico."

Ahora nos muestra algunas de sus obras.

"Una hipótesis es que la pintura sigue con temáticas que no son actuales. El mundo de hoy es financiero, económico, de tecnociencia, de genética y ecología. ¿Como tocar esos temas con pintura de óleo sobre bastidor? Para el filósofo como para el artista o el escritor hay que preguntarse si estamos evocando temas de mundo de hoy. Tenemos que reaccionar al mundo de hoy; que sea para explorarlo, para rechazarlo o para criticarlo. Ese es el problema que encontré. Hoy estamos con ondas, frecuencias, código binario. El código de barras es el símbolo de hoy."

Y explica de qué tratan sus obras: "El cielo de hoy no es más algo romántico, es donde vamos con un avión, cuanto cuesta el pasaje, cuantos pasajeros entran en el avión, es cantidad. También es lo económico y la desigualdad. No es más el viento, el sol, es la variación de la bolsa que hace la felicidad y el impacto sobre los que desconocen el tema y tienen dependencia a ese juego. Yo intento pintar los iconos de la era digital porque seguimos con íconos (como en la pintura rupestre).

Desde el desarrollo espectacular de las nuevas tecnologías numéricas de comunicación, hemos entrado en una fase de convergencia integradora. Y, conocimos un gran tiempo, los años locos de lo numérico. Se habla de tecnologías, de planes de asuntos, y de contabilidad, el hecho de que la economía se base en gran medida en los impulsos del imaginario. El mito de la convergencia tecnológica universal. La convergencia llamaba sobre todo a la amalgama de los medios de comunicación y contenidos. Se nos supondría ser así más felices, más potentes, más ricos. Estamos pues en el momento en que después de haber celebrado a un costo asombroso la ilusión de convergencia, que es ciertamente más seductora que la fragmentación, redescubrimos que es en la fragmentación y en la reespecificación de los usos del numéricos, que vamos a descubrir los usos sociales.

El arte digital no tiene materia. El teclado programa menos que el cerebro humano, la mano del pintor programa más que el ratón, porque inventa, es inédita, no tiene límites. La inteligencia de la filosofía y fisiología humana tiene más poder de divergencia y enriquecimiento.

Entonces, es posible mediante la divergencia y la creación. Tenemos que seguir con esa idea teniendo como herramienta la responsabilidad y la ética; que son cualidades humanas. Toda la historia del arte es divergencia. Crear el sentido nosotros mismos del futuro. Cuanto más poder tecnocientífico, mas ética necesitamos y de eso también tiene que hablar el arte."

Web:

 www.hervefischer.net

 www.hervefischer.com

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El Colectivo de Artes Bocatoma cumple un año.

 www.bocatomatw.blogspot.com

Bocatoma nació en Febrero del año 2008 y ha llevado a cabo cinco presentaciones hasta la fecha, incluyendo no solo artistas sino también a otros grupos o colectivos de Trelew, Comodoro, Rawson, Madryn y Gaiman, así como la intervención activa del público. Hasta el momento han realizado 6 eventos, desarrollando un concepto y desplegando un abanico de posibilidades para el público. El colectivo también llevó a cabo una serie de intervenciones callejeras (gráficas, performáticas) por fuera del circuito artístico, algunas vinculadas a movilizaciones populares.

Bocatoma se define como un colectivo de solidaridad artística autogestionado, un campo de tolerancia y de respeto a cualquier forma de actividad artística conformada y trabajando o el impulso individual de personas con necesidad de mostrar su creación. Una forma expresiva que necesita la participación efectiva para ejecutar la obre de arte. De la cultura como espectáculo a la cultura como acción. Es decir, una forma de creación (un sujeto colectivo), una forma de recepción no tradicional y de circulación de un mensaje. 

Este sábado, 7 de Marzo, el colectivo de Solidaridad Artística Bocatoma festeja su primer año de actividades. Lejos del brillo y la serpentina el festejo será Dark, es decir con eje en géneros post punk de varias décadas. Bandas en vivo, muestas de arte, performance y más.

El valor de la entrada consistirá en un aporte voluntario a beneficio del Colectivo de Poesía Bajo los Huesos. Habrá servicio de Bufete y pizzas a la parrilla-

Acompañan: Bajo los Huesos, Centro Cultural Ángel Bel, La Sala

BOCATOMA DARK será el próximo 7 de Marzo, a las 23.30hs, en el  Salón de Cooperativa Eléctrica de la ciudad de Trelew -Pje San Luís, entre 25 de Mayo y 9 de Julio-.

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Te recomendo Nº4

 Descubriendo un mundo

¿Por qué René Burri es uno de los fotógrafos más importantes del mundo?

No sólo por ser un archivo viviente de imágenes del mundo y su acontecer, sino porque ha sido testigo, tanto él como su inseparable cámara de eventos que han marcado a los seres humanos.

Al Suizo René Burri le gusta echar la vista atrás. Le divierte. Tiene su Leica M6 colgada al cuello, «duermo con ella, algo que a mi mujer no le hace demasiada gracia».

Rememoró que su primer "entrenamiento" para ser fotógrafo, aún sin él mismo saberlo, fue en su infancia en la granja de su abuelo, donde se dedicaba a cazar moscas, lo que, aseguró, le ayudó a desarrollar la velocidad y la intuición de "saber captar el momento".

Una de las fotografías más conocidas de Burri es la del Che Guevara en el Ministerio de la Industria cubana, en 1963, en la que el jefe rebelde sale fumando un puro. Una vez, cenando con Korda, éste le regaló su fotografía del Che con la dedicatoria "de tu amigo Korda, autor de la que reconocerás es la fotografía más famosa del Che", y Burri le correspondió regalándole su retrato con la dedicatoria "de tu amigo Burri, autor de la que reconocerás es la mejor fotografía del Che".

También las que le hizo al pintor español Pablo Picasso, quien lo obsesionó desde que fotografió una exhibición del artista en Milán (Italia).

Estuvo ecorriendo Latinoamérica y a los futuros fotógrafos les recomendó "no perder nunca la curiosidad, que no paren de reinventarse y que carguen siempre con la cámara encima" durante la actividad "Charlando con René Burri".

El libro "René Burri, un mundo", retrospectiva de uno de los foto-reporteros más famosos del mundo, está compuesto por una selección de más de 100 imágenes realizadas desde 1953. Paginas tamaño A4, en blanco y negro, de excelente calidad! Se trata de imágenes representativas de acontecimientos que marcaron la historia del siglo XX. Es resultado de un meticuloso trabajo realizado por Burri.

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CURSO DE FOTOGRAFÍA 2da parte

NIVEL I

1.2.- COMPONER LA FOTOGRAFÍA

Componer es decidir la distribución de los elementos dentro de una fotografía. Es decir, componer significa establecer el cómo se organizan las cosas dentro del formato, el espacio que ocupan y la jerarquía de cada elemento. El recorrido que realizarán los ojos del espectador al contemplar la imagen también está estrechamente ligado a la composición.

Dos formas de componer

En el trabajo fotográfico existen dos grandes formas de componer la imagen:

a) La que se realiza en el estudio del fotógrafo

b) La que se realiza en exteriores

En la tranquilidad del estudio, el fotógrafo puede organizar los elementos según sus criterios estéticos. Por el contrario, en exteriores debe saber buscar el punto de vista más adecuado para obtener una composición interesante.

En la primera opción, y en la comodidad del estudio, el fotógrafo controla cada uno de los elementos y los organiza mediante criterios estéticos o, en muchos casos, por necesidades de publicación. Esta forma de trabajar se aplica a bodegones, retratos comerciales o publicitarios y, en general, a todas las fotografías realizadas en un estudio.

La segunda posibilidad, la que corresponde al trabajo realizado en exteriores, en las llamadas fotografías instantáneas, el fotógrafo suele tener pocas posibilidades de controlar y modificar la situación de los elementos. En estos casos, la composición es el resultado de un determinado encuadre. Es decir, primero se encuadra la escena a fotografiar y la composición es el resultado del encuadre, del punto de vista y la posición de la cámara. Si la composición no satisface al fotógrafo, la solución pasa por modificar la posición de la cámara o el punto de vista. Esta es la forma de componer la gran mayoría de fotografías que se realizan en el mundo.

No existen reglas fijas para determinar cómo debe ser una buena composición. Sin embargo, se puede establecer que la mejor composición es aquella que consigue transmitir la información, las emociones o las sensaciones que desea expresar el fotógrafo al espectador de la imagen

(CONSEJO: Antes de accionar el disparador de la cámara analice la situación de los elementos dentro del encuadre. No dude en modificar la posición de la cámara si la composición no es de su agrado)

Situar el motivo

La situación del motivo dentro del encuadre equivale a hablar de la composición de la fotografía. Existe una tendencia generalizada a situar el motivo principal en el centro del encuadre. Ello se debe, en gran medida, a que las cámaras tienen los sensores o dispositivos de enfoque situados en el centro del visor. El usuario enfoca, ya sea de forma manual o automática y, a continuación, toma la fotografía. El resultado suele ser poco interesante y monótono, ya que la imagen centrada tiende a la simetría y, por otra parte, situar de forma habitual el motivo en el centro del visor no provoca ninguna sorpresa en el espectador.

Situar el elemento protagonista a un lado de la composición, crea una cierta sorpresa en el espectador y contribuye a aumentar el interés visual por la imagen.

Enfocar y componer

Todas las cámaras permiten realizar el enfoque y la composición como operaciones independientes. Cuando la cámara está ajustada para trabajar en enfoque automático (autofocus), el sistema se acciona mediante el botón de disparo.

Al presionar el botón de disparo, el sistema de enfoque automático se activa y enfoca aquello que se encuentra en el centro del visor. Si se mantiene el botón presionado, se puede modificar la orientación de la cámara y mantener así la distancia enfocada. Es decir, se puede enfocar un determinado elemento, desplazarlo del centro del visor a uno de los lados y mantenerlo enfocado. Esta opción resulta muy útil para, por ejemplo, fotografiar personas ante un paisaje y situarlas a un lado del encuadre. Dado que la mayoría de capturas con cámaras digitales se realizan en modo autofocus, la forma de trabajar más recomendable consiste en el bloqueo del enfoque mediante el botón de disparo.

Algunas cámaras permiten seleccionar la zona de enfoque preferente.

Ello facilita el enfoque del motivo principal si éste se encuentra en uno de los lados del encuadre. Sin embargo, accionar esta modalidad puede representar una mayor pérdida de tiempo que realizar el bloqueo de enfoque descrito anteriormente. Seleccionar la zona de enfoque preferente a uno de los lados del visor sólo tiene utilidad cuando se vayan a realizar repetidas tomas en las mismas condiciones.

En el caso de que la cámara esté ajustada para enfoque manual, se debe enfocar colocando el motivo principal en el centro del visor y, a continuación, se puede encuadrar situándolo a uno de los lados sin que sea necesario mantener apretado el botón de disparo, ya que el sistema de enfoque automático se encuentra desconectado. Esta opción no está disponible en la mayoría de cámaras digitales de gama media o baja.

Consejo

(CONSEJO: En muchas fotografías es recomendable no enfocar en el centro del encuadre. Ajuste el enfoque sobre el motivo principal cuando éste se encuentre a un lado de la composición y, sin soltar el botón de disparo, corrija la posición de la cámara)

La regla de los tercios

La regla de los tercios es una excelente fórmula para crear la composición y ayuda a situar los elementos dentro del encuadre. Ésta consiste en dividir, de forma imaginaria, el visor en tres partes horizontales y tres verticales. Las líneas horizontales sirven de guía para situar los horizontes en las fotografías de paisaje, mientras que las verticales son la referencia para situar los elementos verticales de la composición.

En una fotografía de paisaje resulta recomendable, por razones estéticas, no situar el horizonte en el centro del encuadre. De esta forma se evita la sensación de que la imagen está dividida en dos partes iguales. Es decir, se evita la simetría en la composición que, desde un punto de vista estético, puede resultar poco estimulante.

Cuando se dispone de un cielo interesante, con nubes blancas que destacan sobre el fondo azul, nubarrones que amenazan tormenta, etc., se puede situar el horizonte en el tercio inferior y dar así protagonismo al cielo. Por el contrario, si el cielo carece de interés resulta más útil situar el horizonte en el tercio superior. En este caso se debe centrar el protagonismo en los dos tercios inferiores buscando el interés en el paisaje y los elementos que lo componen.

Al desplazar el horizonte del centro de la imagen se obtiene una composición asimétrica. Sitúa el horizonte en el tercio inferior cuando quieras otorgar el protagonismo al cielo, y en el tercio inferior cuando el protagonismo esté en el suelo. Evita colocar el horizonte en el centro del encuadre.

Las dos líneas verticales son de gran utilidad para situar, por ejemplo, una persona ante un paisaje. Un ciclista, o un atleta, que se desplaza hacia la derecha se debería situar en el tercio de la izquierda, dejando espacio (aire) delante de él.

En las tomas de retrato también se debe aplicar la regla de los tercios.

Por ejemplo, en una fotografía vertical, se pueden situar los ojos a la altura del tercio superior del formato. En los retratos en formato horizontal, especialmente si el modelo mira hacia uno de los lados, se debe desplazar la cabeza hacia el lado contrario al de la mirada. Si, por ejemplo, el modelo mira hacia la derecha de la fotografía, se debe situar la cabeza en el lado izquierdo, dejando espacio en la dirección de la mirada. En este caso, también se pueden situar los ojos en el tercio superior. Aplicando esta sencilla formula se potencia la dirección de la mirada y la imagen, con respecto a una toma centrada, gana en estética y dinamismo.

Consejo

(CONSEJOS: Utilice la regla de los tercios en las tomas de paisaje y también en los retratos. Evite situar los horizontes de los paisajes y los ojos de los modelos en el centro del encuadre)

La simetría

La simetría se produce cuando existe un elemento central, que divide la imagen en dos partes, y elementos que se repiten a uno y otro lado. Las fotografías simétricas suelen producir sensaciones agradables en los espectadores de las imágenes.

La simetría puede encontrarse en fachadas de casas, que con su estructura de puertas y ventanas puede semejar un rostro humano; en paisajes en los que los campos o los árboles de un bosque faciliten encuadres simétricos; en los reflejos en lagos o ríos, en los que las aguas muestran una réplica exacta del paisaje del entorno, y un largo etcétera.

Las fotografías simétricas, inicialmente agradables, hacen que muchos aficionados caigan en la repetición y sus imágenes, por repetitivas, sean monótonas y poco sorprendentes. Sin embargo, desde el punto de vista de la composición, se considera que, en general, las fotografías asimétricas tienen más fuerza expresiva.

La composición simétrica transmite sensaciones ligadas a la estabilidad y a la serenidad. En este caso, la toma en contrapicado aporta dinamismo a la imagen.

La asimetría

Una composición asimétrica suele tener mayor impacto expresivo, provoca sorpresa en el espectador y es más ágil y dinámica que una simétrica.

Las fotografías asimétricas suelen asociarse con el desequilibrio de las imágenes, pero ello no tiene que ser necesariamente así. No debe confundirse el equilibrio de la imagen con la simetría. Si bien es cierto que una imagen simétrica es, por definición, equilibrada, una fotografía asimétrica también puede estar equilibrada. Bastará que los elementos de la imagen se compensen para que el fotógrafo pueda encontrar el equilibrio de la imagen con una composición asimétrica.

Realizar fotografías asimétricas puede significar, al principio, una mayor dedicación por parte del fotógrafo en el proceso de encuadre y composición de la imagen. Encontrar el equilibrio de la imagen mediante la simetría es un proceso rápido, mientras que hacerlo con la asimetría requiere una mayor atención. Sin embargo, una vez el fotógrafo desarrolla esta habilidad, las composiciones asimétricas también se realizan de forma rápida y casi automatizada.

Consejo

(CONSEJO: Intente no abusar de las imágenes simétricas. Procure aprender a equilibrar las fotografías con composiciones asimétricas. Sus fotografías ganaran en dinamismo, agilidad y fuerza expresiva)

La composición asimétrica no tiene que ser, necesariamente, una imagen desequilibrada. En este caso, el mayor espacio de la parte derecha ayuda a equilibrar la composición.

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Trashumar... andando

Les llega este correo desde la Univ. Trashumante:

Estamos de Gira por la Patagonia nuevamente, realizando nuestra propuesta de taller de educación popular en varios pueblos y ciudades. Reflexionar colectivamente sobre la realidad, denunciar y anunciar, encontrar sueños comunes que nos permitan seguir accionando y trabajando con otros, dialogar, escucharnos, generar un espacio de encuentro, .

Abajo esta el cronograma con los lugares y las fechas donde se harán los talleres y un pequeño texto contando quiénes somos.

 ¿Por qué salimos de gira hoy?

Salimos al encuentro de toda la gente que no está hallando espacios de participación, que en sus pueblos y ciudades no encuentra lugares donde poner en juego su voz con otros, pero que se cruza y charla sobre esta realidad en la calle, en la verdulería.

Salimos también al encuentro de todos los grupos culturales, bibliotecas populares, asambleas y organizaciones sociales; que en este caminar fuimos y estamos conociendo. Queremos salir entonces para entretejernos en un diálogo fraterno que podamos mantener en el tiempo,que reencienda nuestras luces y nos alumbre la visión de que otro mundo es posible.

Estamos ante una realidad fragmentada, donde amplios sectores de la sociedad no estamos pudiendo dialogar, donde siguen avanzando sobre nuestras formas de vida, sobre la educación, sobre la tierra que habitamos y hemos habitado, sobre la salud y nuestro alimento diario; sobre el agua que tomamos y el aire que respiramos, quitándonos la libertad de elegir cómo construir nuestro futuro. Una realidad donde se acallan experiencias,actuales y milenarias, que proponen otras lógicas, otras formas de trabajo, comunitario y cooperativo, propuestas educativas y artísticas liberadoras, formas de consumo y producción alternativa de energía y alimentos.

En esta realidad nosotros elegimos salir a escuchar, a aprender y compartir.

Salimos de gira a recorrer el país con una propuesta abierta, poniendo
en juego el diálogo, el arte y la reflexión para describir y soñar la realidad colectivamente.

Trashumando el otro país

Nos acercamos a ustedes para contarles un poco nuestra historia y nuestra lucha desde el arte, la comunicación y la educación popular. En fin.... para compartir la Universidad Trashumante: un proyecto colectivo.
El paso de la trashumante por los lugares donde hoy están cada uno de los grupos y personas que la conformamos, sembró sueños, utopías y esperanzas.
Con el tiempo cosechó el fruto de la unión y la organización. Y así nació la Red El Otro País. Cuando el Quirquincho- empecinado colectivo en el que viajamos por el país- se estacionó con sus rostros, voces y esperanzas en cada corazón, renació la magia y la esperanza en cada uno de nosotros, los payasos y la alegría, los colores y la ilusión...empezamos a transitar juntos el circo de la vida.
Junto al aporte artístico, dos proyectos más- comunicación y formación- confluyen a lo largo de los años 2003 y 2004 para la realización de nuestra propuesta político pedagógica. Red de Redes y Escuela Campesina fueros ejemplos del camino hacia la construcción popular partiendo de la diversidad y el encuentro para compartir, articular, dialogar, aportar y crecer colectivamente.
Todas estas prácticas nos unieron ese año como red... El Quirquincho recreó lo que somos; el circo trashumante hizo estallar el deseo del reencuentro necesario con los silenciados, alentándonos a mirarnos y reconocernos en esta lucha conjunta por un mundo diferente.

Universidad Trashumante.

La esencia de la trashumante es contribuir a la transformación de nuestra sociedad desde la reflexión político-pedagógica. El proyecto nació en la cátedra de Sociología de la Universidad de San Luis y del Grupo Sendas para la Educación Popular, con sede en la provincia de San Luis.
Después fue pasando de boca en boca, de corazón en corazón, hasta transformarse en un proyecto colectivo que se caracteriza por la diversidad de sus grupos.
La Universidad Trashumante toma como marco teórico de referencia a la Educación Popular, su mirada y su visión del mundo, que nos indica un camino a seguir. Así, como educadores populares nuestra tarea primaria y esencial es aportar herramientas de formación en la lectura de la realidad, mirar desde los otros, generar espacios de reflexión en el cual la mayoría de las voces puedan decir y decirse, priorizando el fortalecimiento de las organizaciones populares de base.

Trashumar... andando

El concepto de trashumar significa caminar hacia los mejores humus, la mejor gente, la mejor tierra. La Trashumancia implica una constante y doble caminata: una hacia fuera, hacia el encuentro con los otros, y otra hacia adentro de cada uno, en busca de emociones, esperanzas, sueños y pasiones que definan y orienten nuestras prácticas.
Desde siempre tuvimos la idea de que las acciones colectivas se construyen en el día a día, con trabajos y recorridos reales, sin buscar protagonismos, creando los espacios y los ambientes, para que todo el mundo se sienta parte, entienda que realmente su voz es realmente escuchada, tenida en cuenta y sobre todo que pueda decidir.
En el año 1998 salimos a recorrer el país en un viejo colectivo llamado Quirquincho, ese año visitamos desde Córdoba hasta Jujuy. En el 2000 retomamos el viaje por todo el sur de nuestro país.
Así el Quirquincho, un Dodge modelo ´70, se convirtió de alguna manera en emblema, en la parte visible de la Trashumante.
En Santiago del Estero nos enteramos que la palabra quirquincho significa ' doblemente empecinado'. Quienes lo conocemos sabemos que hace honor a su sentido. El Quirqui, con toda su simbología, su rostro pintarrajeado con los nombres de los pueblos visitados, nos lleva por el Otro país, recorriendo más de 30 mil Km., su carcasa memoriosa, conocedora de todos los olores que habitan las geografías de nuestro país, siempre está dispuesta a trashumar.
Las anécdotas en torno a él son variadísimas, como así también los innumerables viajeros, trashumantes o no, que han seguido camino a bordo: artistas, estudiantes, tejedoras, campesinos, poetas, bailarines, músicos.
En esos años que pasaron desde el 2000 hasta las siguientes giras nos fuimos formando colectivamente como talleristas, en los encuentros de formación que realizamos dos veces por año. Al mismo tiempo, fuimos fortaleciendo los espacios de la red trashumante, lo que nos permitió realizarlas giras del 2005 (donde recorrimos algunos pueblos y ciudades Santa Fe, Santiago del Estero, Tucuman, Salta, Jujuy, Catamarca y Cordoba en una primera etapa ) y la del 2006 (donde recorrimos parte de la Pampa, Río Negro, Santa Cruz y Neuquen). Estos talleres fueron coordinados por compañeros de distintos grupos del país, organizados en equipos .

¿ Porqué trabajamos enREDados?

La concepción de trabajar en redes fue fundamental. Si bien este concepto fue ' usado' por el sistema y vaciado de su contenido conceptual original, en muchos de nosotros existió con las características con que surgió originalmente. Una red es justamente la posibilidad de estar juntos todos aquellos que pensamos que se puede construir otro país, con una lógica de construcción en nuestras cabezas y una pasión en nuestros corazones que nos identifica. Construir una red es un problema ideológico y también metodológico. Una cosa es formular la idea y otra es llevarla a la práctica, por ejemplo el concepto de horizontalidad., que hoy está tan de moda. Nosotros acordamos plenamente con el mismo, pero el tema es cómo efectivamente ponerlo en práctica. Para que esto ocurra, ' alguien' tiene que correrse del centro y ' otros' tienen que ocupar los espacios. Por eso es que desechamos la tradicional concepción de liderazgos y preferimos hablar de ' referentes'.
En alguna medida todos somos referentes de todos. No puede obviarse que hay personas que por edad y experiencia adquieren un perfil de referentes fuertes. Justamente aquí está la concepción político-pedagógica que facilita la construcción de la horizontalidad.
Nuestra propuesta no contempla cambios culturales, sociales y/o políticos dentro de la actual sociedad, sino que apuesta al surgimiento de una nueva, en la impresión de que la crisis del paradigma viejo comienza a ser evidente.

Aportes del arte a la reflexión político-pedagógica.

Estamos convencidos de que a través del arte es posible acceder a la reflexión político-pedagógica. El teatro, la murga, el circo, la danza, el canto, entre otras expresiones artísticas, muchas veces arriban a conceptos que se discuten y se comparten desde lo ideológico y lo discursivo, pero que , en el momento en que lo expresa un pintor, un títere o un murguista nos abraza y se colectiviza.
Lo artístico refleja lo popular, interpreta a las personas, expresa lo que le pasa a la gente en general. Nos permite una aproximación a la vida desde una visión diferente y de la cual tenemos también mucho que aprender. A nosotros mismos nos pone en contacto con las alegrías y dolores profundos. También desde el arte se pueden ir concretando prácticas que tienen que ver con otro espacio: el arte al servicio de alternativas específicas. Talleres en donde compartir saberes, talleres de oficios artesanales como vehículo de los aportes de los sectores populares.
El arte como saber apropiado para acceder a la reflexión política-pedagígica y el arte como canalizador de prácticas concretas
La mirada artística sobre la realidad nos permite develar significados de la misma, porque los artistas buscan formas distintas de imaginar y ver la realidad, construyendo así nuevas imágenes del mundo. Cuando incorporamos lo artístico a nuestros talleres no lo hacemos como un mero momento de descanso y recreación. La vivencia del arte, la creación y sensibilización imprime en el espíritu de todos otro modo de ver y actuar en el mundo.

Aporte de la comunicación popular a lo político-pedagógico.

Desde los inicios de la trashumante, por su esencia e identidad, la comunicación ha sido una práctica ligada, y en términos de Freire, a la liberación del habla, a la actividad y creatividad popular encontrada y generada en cada pueblo recorrido, y también en los espacios locales que cada grupo construye en conjunto con su gente.
Entre los grupos de la red también la ejercemos en cada reencuentro a través de la palabra, la mirada, el gesto y los abrazos. Mediante esta comunicación fuimos tejiendo lazos de amistad y compañerismos unidos por los mismos códigos y utilizando el mismo lenguaje de lucha popular.

Algunos conceptos trashumante...

Cambiar el mundo:
El primer concepto emergente de esta propuesta fue retomar la idea de cambiar el mundo. Nos dimos cuenta que sus sola enunciación ponía en crisis a personas y movimientos. Como es una pregunta que la hemos realizado a lo largo y ancho del país en los 30.000 Km. recorridos, en los más de 140 talleres dados, podemos hablar con fundamento de esta temática. Es increíble como el modelo había logrado borrar del horizonte de nuestras vidas no sólo la idea, sino la acción efectiva, de que el mundo podía ser cambiado. Nos ha pasado también el intercambio de ideas con algunos intelectuales europeos, que cuando leían nuestros trabajos, sinceramente nos decían: ' hace muchos años que no escuchábamos esta idea de cambiar el mundo'. Esta es nuestra utopía real, el centro de nuestros sueños, lo que nos alimenta lo cotidiano, lo que nos sigue entusiasmando a seguir caminando y pensando. A partir de este concepto de cambiar el mundo nos pareció importante hablar de ' el otro país'.

Otro País:
Segundo concepto que intentamos desarrollar. Parte de reconocer que en Argentina coexisten al menos dos países absolutamente diferenciados y, porqué no, antagónicos. Si bien compartimos el mismo territorio, los mismos símbolos y no muchas cosas más, es que preferimos hablar del Otro País, del oculto, del ajeno, del negado. El país de las mayorías, con el cual soñamos, con justicia, con trabajo. Es una decisión ideológica que se define en la reflexión de Paulo: ' a favor y en contra de quien trabajamos'. Si vamos a ser cantores y científicos de grandes salones o vamos a bajar a compartir con los hermanos lo que a todos nos pasa. Construir este otro país es la tarea, sin dejar de ver el proyecto que las minorías quieren imponernos. En síntesis, tener en claro cual es nuestro enemigo, pronunciarlo con firmeza y anunciar con nuestras vidas que es imprescindible luchar para mantener la esperanza.

Revolución epocal:
Este concepto nos surgió a partir de nuestro paso por la provincia de Neuquen. Con todas sus contradicciones, la lucha que las compañeras y compañeros han venido sosteniendo contra el modelo, siempre se constituyó en un ejemplo para todos nosotros. El concepto de revolución también fue ampliamente bastardeado por el sistema capitalista. Sin embargo nos parece importante volverlo a colocar en el horizonte, porque esto es lo que queremos hacer, revolucionar lo existente. Pero nos parece importante ir desarrollando entre todos estas ideas.
Nuestra revolución debe ser necesariamente epocal, es decir, debe partir de la realidad, de esta confusión, de esta invasión de ideas, de esta economía desbastada. Partir de esta época. Una revolución no puede ser nostálgica, ni tampoco anticipatoria. No podemos seguir pensando lo que ocurrió en la Revolución Rusa o en la Revolución Cubana o en la década del ´70. Eso pasó y no es posible reconstruirlo desde este hoy. Si debemos tener conocimiento y memoria de lo pasado, para saber porqué perdimos. En esto hay que formarse. Y decíamos que tampoco puede ser anticipatoria al estilo vanguardista que determina a priori donde empieza la revolución y cómo continúa.

La Trashumante HOY

Actualmente estamos trabajando en proyectos a nivel nacional:
Arte, dentro del cual está el Circo-Taller Trashumante y nuestra formación artística. Centro de Formación de Maestros Campesinos, emprendimiento que llevamos adelante en conjunto con el Mo.Ca.Se ( Movimiento Campesino de Santiago del Estero). Formación, encuentros con otras organizaciones hermanas y siempre caminando desde la Educación popular.
Comunicación popular, hacia adentro de nuestra red, y hacia fuera: la página web, las revistas, y en general con los otros.
Red de Redes: espacios donde intentamos articular con otros grupos y organizaciones sociales ( por ejemplo la Uac, etc)
Nuestros tiempos y procesos de construcción buscan ir de la mano con los sentires populares, con los que nos vamos relacionando en nuestra trashumancia. Es nuestra decisión, nuestra opción, construir desde los vínculos que establecemos con la gente que constituye redes de articulación más pequeñas donde se van conteniendo esas voces acalladas. Vemos que los tiempos de estas redes son más lentos, más complejos, pero es así como vislumbramos el Otro País. Sigue siendo un desafío enorme articular los diferentes espacios y las diferentes urgencias de cada organización para ir creando y recreando entre todos el país y el mundo que queremos

Gracias Lucho por la info!

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