Promoción de la cultura y las artes

La muestra itinerante del II Premio Nacional de Pintura Banco Central 2008 ya se exhibió en Buenos Aires, Mar del Plata, Rafaela y Madryn, en el futuro Museo Histórico de la ciudad, entre otro lugares.

La ex Terminal de Ferrocarril, en Pasaje 1° de Marzo e Independencia, fue sede de la muestra itinerante del Premio Nacional de Pintura Banco Central 2008.

El Premio Nacional de Pintura -nos cuenta el Banco Central -tuvo su primera edición en 2007, cuyo ganador fue Clorindo Testa con su obra "Ciudad no muy extensa". La segunda edición, en 2008, incorporó la categoría Gran Premio Homenaje, y fue adjudicado a Luis Tomasello con su obra "Atmósfera cromoplástica N° 212". Esta y otras obras forman parte de la muestra, e incluye otros artistas como Juan Melé, Luis Benedit, Luis Barragán, Miguel Dávila, Sergio Camporeale y Miguel Ocampo.

Esta acción cultural se realiza en el marco del Programa de Fortalecimiento Institucional del Banco Central iniciado en la actual gestión, que tiene como objetivo la apertura de la institución hacia la comunidad y la generación de un diálogo directo con distintos sectores a partir de dos ejes básicos de acción de responsabilidad social institucional: la educación y la cultura.

La exposición del Banco Central, compuesta por 36 obras seleccionadas (entre más de 560 artistas participantes), cuenta con artistas como Silvana Lacarra y Juan Astica (Primer y Segundo premio, respectivamente), Florencia Levy y Verónica Di Toro, ambas ganadoras de la categoría Jóvenes Artistas adquisición, y autores como Blas Castagna, Ricardo Roux y más.

El Banco Central de la República Argentina, en adelante el Banco Central, en el marco de su Programa Institucional de promoción de la cultura y las artes, convoca a los artistas plásticos argentinos y extranjeros con un mínimo de 3 años de residencia en el país, a participar del Concurso al III Premio Nacional de Pintura Banco Central 2009.

El III Premio Nacional de Pintura Banco Central 2009 contempla dos categorías de participación: Artistas mayores de 35 años y artistas menores de 35 años.
En ambas categorías se considerará la fecha de nacimiento al 31 de diciembre de 2009.
Se excluye la participación de los artistas premiados en los I y II Premios Nacionales de Pintura Banco Central 2007 y 2008.

La fecha de presentación de carpetas será del 6 al 14 de agosto 2009.

 fotos: Juan Manuel Rosel

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“La fotografía es un secreto que habla de un secreto. Cuanto mas te dice, menos te enteras"

ARBUS DIANE (1923-1971)

"En 1971, cuando Diane Arbus se suicidó, ya tenían fama sus desconcertantes fotografías de seres extravagantes y excéntricos. Un año después de su muerte, se exhibieron en la bienal de Venecia ampliaciones de diez de sus fotos de esos seres (enanos, travestis, nudistas). Poco tiempo después se inauguró en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York una gran muestra retrospectiva de su obra..., 250.000 personas acudieron a ver retratos de Arbus tan sobrecogedores como The Jewish Giant y The Man in Hair Curles.

Diane Arbus (cuyo nombre de nacimiento era Diane Nemerov) nació en Nueva York, Estados Unidos en 1923. Adopto el apellido de su marido Allan cuando tenía 18 años. Hija de una familia adinerada, se quejaba de haber sido "demasiado cuidada" en su piso de la quinta avenida. Algunas de sus primeras fotografías famosas son de niños luchando con su energía y su desesperación por sus limitaciones psíquicas o físicas, como "niño exasperado con una granada de mano de juguete" tomada en central Park en 1961, esta formaría parte de su serie en que fotografió a niños ricos "ya que yo también soy una niña rica" diría sobre esta serie.-

En 1967, después de su gran exhibición en el MOMA en una entrevista para la Newsweek comento de la irrealidad en la que ella decía que había crecido: "Es irracional haber nacido en un cierto lugar y un cierto momento y de ser de un determinado sexo. Es irracional que uno pueda cambiar muchas circunstancias y que no pueda cambiar muchas otras. La simple idea de haber nacido rica y judia es parte de esa irracionalidad. Pero si naces siendo algo, podes tener la osadía (la aventura) de ser otras diez mil cosas"

Empezó como fotógrafa de moda y publicidad, trabajando para la revista Harper's Bazaar, asistiendo primero y luego en sociedad con su marido. Conoció a artistas como Robert Frank o Walker Evans.-

Entre 1955 y 1957 fue alumna de Lissette Model, de la que recogió un realismo crudo y aprendió a captar lo particular para alcanzar lo general. A partir de los años 60 se dedico a retratar a la población marginal americana: Lisiados, minusválidos, gente con deficiencias mentales, travestis, gente de la calle y sus casas...y sus asilos. Con sus fotos da la impresión de querer enseñarnos que todos nosotros somos monstruos, solía decir "si observamos la realidad desde bastante cerca (...), esta se hace fantástica"

La película de Tod Browning, Freaks, fue importante en su trabajo. Patricia Bosworth escribe: "De llevó a Diane a ver Freaks, la película de Tod Browning, de 1932; Dan Talbot la había reestrenado en el New Yorker Theatre, del Upper West Side, que era de su propiedad. La película cautivó a Diane, porque los monstruos no eran imaginarios sino reales, y esos seres -enanos, idiotas, contrahechos- siempre habían sido para ella motivo de atracción, de reto y de terror, porque constituían un desafío a muchas convenciones. A veces, Diane pensaba que su terror estaba vinculado a algo que yacía en lo más profundo de su subconsciente. Cuando contemplaba el esqueleto humano o la mujer barbuda pensaba en un ser oscuro y antinatural que llevaba oculto dentro de sí misma. En su infancia le habían prohibido que mirara todo lo que fuera "anormal": un albino con los ojos rosa a medio cerrar, un bebé con labio leporino o una mujer gorda como un globo debido a alguna misteriosa deficiencia glandular. Como se lo habían prohibido, Diane los miraba con más atención, y desarrolló una profunda simpatía por toda rareza humana.

 Su método fue sencillo: ir al encuentro de lo grotesco, de lo bellamente horrible.

Su segundo paso fue entablar conversación con la fauna nocturna, con los reventados de la vida, con los personajes más excéntricos que pululaban por bares de mala muerte y basureros. Diane conversaba largas horas con prostitutas, chulos, mendigos. Les explicaba su pasión por la fotografía y luego los convencía para que dejaran tomar una foto. Poco a poco fue conformando una galería de tipos, de seres que más que personajes de la noche eran alegorías de nuestras pesadillas. Un inigualable museo de hombres, mujeres y niños dejados al margen del gran "sueño americano".

"Esas criaturas extrañas habían tenido madres normales, pero habían salido del útero alterados por una misteriosa fuerza que no llegaba a comprender".

Arbus cambió drásticamente nuestro sentido de lo permisible en cuestión de fotografiable, amplio el alcance de lo que resultaba un tema aceptable y exploró, de forma deliberada, la ambigüedad visual de las personas que ocupaban un lugar preponderante dentro de la sociedad como así también de las marginadas.

Sus modelos miraban siempre, en forma directa, a la cámara. Ella los iluminaba siempre con un flash directo o algún tipo de iluminación directa. Según sus propias declaraciones "para mi, el tema de la fotografía será siempre mas importante que la imagen".

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La inauguración en fotos

Para los amigos que desde lejos estan...

-Las obras se agrupan en series y en lugar de títulos van acompañadas de textos que ahondan en el concepto sin cerrar el tema a la imaginación del espectador. Apelando a la representación mental de la realidad, la interpretación del concepto.-

Una propuesta de percepción visual, considerada como representación, destinada a la configuración de una forma, para su valoración por el perceptor.

-Es el juego de la luz y de la sombra lo que crea un aire de vigilante introspección y sordidez. Las formas tienen un sentido del peso y del volumen. Un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad.-

Se puede visitar durante todo el mes de Mayo en el Museo Muncipal de Artes Visuales de Trelew. Esta muestra continuará su viaje....

Muestra LOS TERCIOS de Laura Perez

Esta muestra creada de manera independiente, nacida de la necesidad de mostrar una mirada diferente y del esfuerzo personal, no hubieran sido posibles sin el apoyo de los auspiciantes, colaboradores y amigos incondicionales. El apoyo de aquellas personas que consideran que el arte es una forma de promover la cultura de nuestra región y acompañan el desarrollo de los artistas.

El agradecimiento va para:

Nilda Masoni.

Raquel Caprano por ATECH

Eduardo Raúl Hualpa.

Martín Fernández de Concepto y Leonardo Rago de Proyecto G.

Julio Bence que me ofreció el espacio del Museo de Artes Visuales, trabajo que luego continuó Leonardo Mezzetti.

Walter Cristian Griffiths Y Juan Manuel Rosell, con quien compartimos el trabajo y el esfuerzo.

Aurelia Colinamun, por las cosas ricas.

Diego colinamun, por todo!!

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Algunos Datos:

Laura Pérez nació en Trelew en 1980, se recibió de Asistente en Comunicación Social en 1997. Estudió Diseño Gráfico, donde aprendió técnica fotográfica con Edi Jones en 1999. Se recibió de Secretaria Ejecutiva en el 2000. Cursó dos años el Taller de Estética de la Imagen con Eduardo Gé/Tabóas (2001-2002).

Continúa su capacitación en 2006 con el Seminario Itinerante "No al olvido, Memorias, Fragmentos, Pasiones". Coordinado por los artistas plásticos Eduardo Molinari y Eugenia Bekeris; quien la selecciona en 2007, para ser parte del Libro Colectivo Itinerante "Estrategias de la Resistencia" presentado en el Museo de Arte y Memoria de La Plata.

En su participación de las 5° Jornadas Abiertas de Fotografía (XIV Encuentros Abiertos de Fotografía - FESTIVAL DE LA LUZ) es seleccionada por Silvia Mangialardi, directora de la revista Fotomundo, para publicar su trabajo.

En 2008 asiste al Seminario Internacional "Educar la mirada 3, Cultura visual y educación" dictado por FLACSO y Fundación OSDE. Y en 2009 a la Conferencia "El arte, la comunicación y la pedagogía en la era digital". Dictado por el franco-Canadiense Hervé Fischer.

Ha realizado exposiciones en: Centro Cultural Municipal, Asociación de Culturas del Sur del Mundo, Galería de arte Un Lugar, Galería del Encuentro, Biblioteca Agustín Álvarez y Biblioteca Rodolfo Walsh. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

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Fotografía x tres.

Desde el año pasado, cuando me ofrecieron el espacio para exponer, estuve trabajando en una nueva muestra de fotografías. Invité a dos amigos a acompañarme en el camino, el diseñador gráfico Walter Griffits de Trelew y el fotógrafo Juan Manuel Rosell de Madryn, y  se sumaron con gusto. Para que esta actividad fuera posible contamos con el apoyo de aquellas personas que consideraron que el arte es una forma de promover la cultura de nuestra región; y por suerte fueron apareciendo. Cada uno tenía su propio trabajo personal que se fue gestando en algo cada vez más concreto y así llegamos hasta hoy. El viernes 8 de Mayo a las 20hs., quedaran inauguradas las tres muestras de fotografía, que presento a continuación, en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew (Mitre 350).

If the kids are united...

Autor: Walter Griffiths

www.waltergriffiths.blogspot.com

Desde hace más de diez años su vida gira  en torno a la imagen. Como modo de subsistencia y principalmente como fuga y goce.

Es 1977 y el cantante Jimmy Pursey decide formar un grupo de música que fuera portavoz de la clase obrera, su idea original era que la música los uniera en torno a un ideal de justicia y tolerancia. La banda se llama Sham 69 y el tema que resumió todo eso es If The Kids Are United. Justicia y tolerencia punk envase 77.

La primera muestra fotográfica de Wally Griffiths es un recorrido por los diferentes lugares en donde los hijos de la clase obrera hacen música como les sale y donde sea. La muestra logra captar, en una mezcla de fotografías color y blanco y negro, la esencia de quienes trasmiten al público en el momento de subir al escenario.

Walter Griffiths nació en Gaiman en 1975 pero vive en Trelew desde chico. Se dedica a la gráfica desde hace casi diez años, siempre como autodidacta. Trabajó como diseñador digital y desde su taller de serigrafía y estampado textil. Realizó ilustraciones en conjunto con otros artistas, entre ellos la brasilera Simone Mendes. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

Anarkia en ciudad no anarka

Autor: Juan Manuel Rosell

Instalación en base a fotografías. Indicios, registros o imágenes. Variables que son parte del circuito artístico que se conectan y/o tejen un discurso personal que es traducido en un collage. Una opera a partir de registros pasados que han sido realizados en la ciudad de Puerto Madryn durante los últimos cinco años. Un entrecruzamiento generacional que se tensa para poder producir una mirada de la juventud, que es dirigida hacia los mayores, una tentativa posible de unir los gustos que existen  entre adolescentes y adultos.

Ecualizar seres humanos es complejo. Pero también es vergonzoso realizar semejante clasificación. Podemos ecualizar estereotipos. Este así, este asa, aquel lo otro, aquello lo mismo; son algunas de las declaraciones que usan las personas para catalogar a un individuo. Pero como podemos realizar esta clasificación sin pecar en clasificarnos a nosotros mismos?. Es simple. Cada individuo es lo que es. Con su pasado se fue curtiendo en diferentes aspectos. Cada individuo es.

Nace en Capital Federal en 1976.  A los 7 años llega a Puerto Madryn donde se establece hasta la actualidad. En 1997 toma clases de fotografía con Eduardo Ge Taboas. En el 2006 realiza su primera muestra individual. Fue premiado en el 1º Salón Fotográfico Argentino-Chileno y selecciónado en la 1º Bienal Artes Plásticas Patagónicas. Participo en los colectivos Bocatoma de Trelew y Calamarensutinta de Puerto Madryn. Colabora en diferentes publicaciones, actualmente trabaja como fotógrafo en el Diario de Madryn.

Los Tercios

Autor: Laura Perez (quien lleva adelante este blog)

Los personajes ausentes tienen una relación significativa con la obra. Un predominio de la fantasía sobre la fiel representación de la realidad. Las obras se agrupan en series y en lugar de títulos van acompañadas de textos que ahondan en el concepto sin cerrar el tema a la imaginación del espectador. Apelando a la representación mental de la realidad, la interpretación del concepto. En nuestra limitada percepción del mundo exterior, es tan importante lo que el cerebro espera ver como lo que realmente ve. Lo que vemos y cómo lo vemos varía de acuerdo con experiencias personales previas y con nuestra personalidad. Es el toque subjetivo que da el cerebro a la visión.

Laura Pérez nació en Trelew en 1980, se recibió de Asistente en Comunicación Social en 1997. Estudió Diseño Gráfico, donde aprendió técnica fotográfica con Edi Jones en 1999. Cursó dos años el Taller de Estética de la Imagen con Eduardo Gé/Tabóas. En el 2002 realiza su primera muestra individual. En 2007, fue invitada por Eugenia Bekeris, para ser parte del Libro Colectivo Itinerante "Estrategias de la Resistencia" presentado en el Museo de Arte y Memoria de La Plata. Y es seleccionada por Silvia Mangialardi, directora de la revista Fotomundo, para publicar su trabajo. Desde 2008 forma parte del Colectivo Artístico Bocatoma.

El viernes 8 de Mayo a las 20hs., quedaran inauguradas tres muestras de fotografía en el Museo Municipal de Artes Visuales de Trelew (Mitre 350). Se podrá disfrutar del vernissage y la presentación en vivo de la banda Infetus. Estarán en exposición durante todo el mes de Mayo. Posteriormente recorreran otras ciudades la provincia.

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Sustancia de lo Abstracto

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

La fotografía abstracta es una corriente que existe desde los inicios de la fotografía como un lenguaje autónomo. En ocasiones se debe a ensayos casuales, a búsquedas técnicas, y en otros muchos se debe a una intencionalidad clara, a experimentos con la luz, con el agua, con el viento, con la velocidad, con los colores, efectivamente con lo real. Aunque hay que aclarar que la abstracción* es una incógnita en su propia realidad y muchos la califican como "una sugerencia visual, no un acertijo técnico".

A principios de los años 20, muchos artistas recurrieron a la abstracción en busca de la fotografía absoluta, a través de recursos como el fotograma, la solarización, la macrofotografía, la microfotografía, las vistas inusuales y la fragmentación. Creadores como Carl Strüwe, Jaroslav Rössler, César Domela y Raul Haussmann utilizaron estas técnicas para aportar una nueva visión del mundo y experimentar con nuevos métodos.

En los años 30, se reveló una nueva gama de objetos fotográficos a manos de los sucesores de Bauhaus* en la Escuela de Chicago y de creadores como Ferenc Berko y Willy Kessels.

Al término de la Segunda Guerra Mundial, la fotografía abstracta se vio eclipsada por la fotografía documental, el humanismo y el neorrealismo; y se produjo un abandono generalizado de la experimentación.

Y a partir de los años 50 resurgió en la República Federal de Alemania y en Suiza con la llamada "fotografía subjetiva". De esta forma, bajo el impacto del expresionismo* abstracto, grupos como Fotoform con Peter Keetman, Toni Schneiders y Otto Steinert, recuperaron los métodos e innovaciones estéticas que de la fotografía abstracta. A su vez, en las décadas siguientes, una nueva generación de creadores como Mario Giacomelli, Christian Chad y Vilém Reichmann desarrolló su trabajo en la abstracción.

*1-La abstracción (del latín abstrahere, "separar") es, en filosofía, una operación mental por la que una determinada propiedad de un objeto se aísla conceptualmente, a efectos de reflexionar sobre ella sin tomar en consideración otros rasgos del aquel que momentáneamente se desea ignorar. Si, a partir de la reflexión o la comparación de múltiples objetos, la propiedad que se aísla es lo que se considera común a los mismos, el objeto de la abstracción es un universal; la cuestión de si los universales existen o no de alguna manera separadamente de la reflexión intelectual sobre ellos (es decir, si efectivamente existe algo común a los objetos, más allá de la hipótesis concebida por la persona que los contempla) y, de existir, cuál es su naturaleza, es uno de los temas que más disputas ha producido en metafísica, y uno de los criterios fundamentales que separan a empiristas y realistas.

*2-Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela.

*3- Se destruirá la perspectiva monofocal por el cubismo, se afirma el valor subjetivo del color con el fauvismo y expresionismo, de lo espontáneo e irreal con el dadaísmo y surrealismo. La ruptura con el arte tradicional es total en el color, en el espacio, en la perspectiva, en la representación realista, etc. En pintura este cambio se concretó:

a- rechazo del axioma pinta lo que ves ya que se fundamenta en unas reglas o esquemas convencionales de representar la realidad como la perspectiva y el esfumado. Son principios que se conocen pero no se ven en la realidad
b- se proponen suprimir estos convencionalismo, quieren ver las cosas como niños, por eso recurren a la estampa japonesa, al primitivismo. El artista dejó de ser un fiel transmisor de lo que veía para convertirse en un creador.
c- no interesa el tema ni la forma, quieren crear cosas que no existían antes.
d- buscan la simplicidad, la espontaneidad, lo genuino.

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Artes visuales y nuevas tecnologías.

Por Laura Pérez.

El lunes fui a escuchar la conferencia acerca de el arte, la comunicación y la pedagogía en la era digital que dictaba el franco-Canadiense Hervé Fischer en la Universidad Nacional de la Patagonia sede Trelew.

Además de haber escrito libros como Arte y comunicación marginal, La Historia del arte ha terminado y El choque digital; Hervé Fischer es artista- filósofo, fundador del "Arte Sociológico" (1971) fue iniciador de proyectos de participación popular con la radio, la prensa y la televisión y habla varios idiomas.

A modo de auto presentación nos dice "Yo soy como Fidel Castro, hablo demasiado". Y continúa:

"No se puede obviar la herramienta fundamental que significa lo digital para el contacto con el mundo. Tiene un impacto muy importante en el desarrollo de la democracia. Es una revolución. Claro que hay una brecha digital, muchos tienen tres o cuatro computadoras y otros no tienen nada. Tenemos un millones de personas que no saben leer y escribir, pero algunos aprenden más rápido a manejar computadoras."

"Estamos en una sociedad de pantallas, no de espectáculos. Tenemos una relación social a través de una pantalla. La red es un océano con una profundidad enorme. Por supuesto que el desafío son los jóvenes; porque nosotros, por lo menos yo, somos inmigrantes en lo digital; ellos son nativos."

Sin embargo, y aquí la charla toca un punto de quiebre, presenta las variantes que hay que tener en cuenta para que la realidad virtual no se convierta en la única realidad posible.

"Tenemos primero que reconocer el poder de lo digital. Es la idea del arte digital reunir a la literatura, la pintura, el cine, la arquitectura. Además, un artista con pinceles es del siglo pasado, pero uno con computadora es actual. A la vez, una obra digital no tiene memoria, pierde vigencia, no se puede conservar. Estamos entonces en una doble crisis del arte."

Multisensorial vs. Multimedia.

Mientras nos muestra en el proyector imágenes de pinturas clásicas y obras digitales, nos explica:

"Algunas obras clásicas transmiten sensaciones, movimiento, sensualidad. Se pueden leer y escuchar. Y para mi eso es más que multimedia. Por otro lado la participación del público en lo digital tiene valor. Está el aspecto pedagógico de entrar en el proceso de creación y el acceso a la cultura. La interactividad tiene mucha seducción, si tenemos más interactividad tenemos más poder. Pero hay más interactividad en cerebro, no podemos limitarla a la herramienta que es muy limitada. Lo digo de manera provocativa porque yo pienso que la interactividad no tiene un valor importante para el arte. Si lo es para la sociedad, la ciencia, la pedagogía, la recreación."

Plantea otra problemática ¿por qué la tecnología digital afecta tanto a las artes visuales y no a la música o la literatura? Y esta creo es una pregunta fundamental.

"Estamos en la era de las imágenes, que son tan numerosas que se matan una a la otra. Para el artista, crear una imagen más es una causa desesperada. El arte como vanguardia, como en los 60´s y 70´s, se ha acabado.Yo me pregunto ¿cómo seguir? El artista no tiene más su poder mágico, su poder de impacto.Yo creo que hay que reanalizar que es el arte visual, que es lo importante.

Al fin del siglo pasado me he dado cuenta que el arte vale en su tradición. El problema del arte digital es que esta vinculado con el avance de la tecnología; más sofisticado con las herramientas más rápido queda viejo. No podemos vincular al Arte con la lógica del progreso tecnológico."

Ahora nos muestra algunas de sus obras.

"Una hipótesis es que la pintura sigue con temáticas que no son actuales. El mundo de hoy es financiero, económico, de tecnociencia, de genética y ecología. ¿Como tocar esos temas con pintura de óleo sobre bastidor? Para el filósofo como para el artista o el escritor hay que preguntarse si estamos evocando temas de mundo de hoy. Tenemos que reaccionar al mundo de hoy; que sea para explorarlo, para rechazarlo o para criticarlo. Ese es el problema que encontré. Hoy estamos con ondas, frecuencias, código binario. El código de barras es el símbolo de hoy."

Y explica de qué tratan sus obras: "El cielo de hoy no es más algo romántico, es donde vamos con un avión, cuanto cuesta el pasaje, cuantos pasajeros entran en el avión, es cantidad. También es lo económico y la desigualdad. No es más el viento, el sol, es la variación de la bolsa que hace la felicidad y el impacto sobre los que desconocen el tema y tienen dependencia a ese juego. Yo intento pintar los iconos de la era digital porque seguimos con íconos (como en la pintura rupestre).

Desde el desarrollo espectacular de las nuevas tecnologías numéricas de comunicación, hemos entrado en una fase de convergencia integradora. Y, conocimos un gran tiempo, los años locos de lo numérico. Se habla de tecnologías, de planes de asuntos, y de contabilidad, el hecho de que la economía se base en gran medida en los impulsos del imaginario. El mito de la convergencia tecnológica universal. La convergencia llamaba sobre todo a la amalgama de los medios de comunicación y contenidos. Se nos supondría ser así más felices, más potentes, más ricos. Estamos pues en el momento en que después de haber celebrado a un costo asombroso la ilusión de convergencia, que es ciertamente más seductora que la fragmentación, redescubrimos que es en la fragmentación y en la reespecificación de los usos del numéricos, que vamos a descubrir los usos sociales.

El arte digital no tiene materia. El teclado programa menos que el cerebro humano, la mano del pintor programa más que el ratón, porque inventa, es inédita, no tiene límites. La inteligencia de la filosofía y fisiología humana tiene más poder de divergencia y enriquecimiento.

Entonces, es posible mediante la divergencia y la creación. Tenemos que seguir con esa idea teniendo como herramienta la responsabilidad y la ética; que son cualidades humanas. Toda la historia del arte es divergencia. Crear el sentido nosotros mismos del futuro. Cuanto más poder tecnocientífico, mas ética necesitamos y de eso también tiene que hablar el arte."

Web:

 www.hervefischer.net

 www.hervefischer.com

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Ojos de campo:

Publico esta increible idea de la experiencia educativa que llega a Chubut y este pedido de Diego Arranz, Profesor de Fotografía.

El lunes 16 de marzo viajamos con unos 15 chicos de Ojos de Campo para hacer un intercambio educativo con las Comunidades Mapuches de Lago Rosario y Sierra Colorada, mas Aldea Escolar en Chubut.

La experiencia de muchos de los chicos del taller los hará "docentes" frente a los chicos de las escuelas de la zona. Muchos de mis alumnos cursan desde los 8 años (hoy tienen 13), así que tengo suma confianza en ellos y en su conocimiento artístico. Se imaginarán que no solo hacen buenas fotos sino que manejan muy bien diversos conceptos de técnica y composición fotográfica.

Es decir, los chicos de "Ojos de Campo" les enseñarán, bajo mi supervisión, fotografía a los chicos de las escuelas de los pueblos originarios.

Por otro lado están invitados a exponer sus obras en la Casa de la Cultura de El Bolsón, en la Plaza de Trevelin y el Centro cultural Melipal de Esquel y sumado a ello se comienza con esto a trabajar a distancia en un trabajo con los docentes de cada colegio. El trabajo a realizarse en El Bolsón, Trevelin y San Andrés de Giles, busca acercar los pueblos a partir de problemáticas y realidades similares para buscar nexos educativos y salidas culturales a partir de sus obras.

Este viaje les brinda a los chicos la posibilidad de conocer al menos una parte de la Patagonia. Se imaginarán la ansiedad que esto viene generándoles, aún recuerdo con una sonrisa los descubrimientos de las escaleras mecánicas, los ascensores o el subte en el primer viaje a Buenos Aires!!!. Si seguimos sumando las oportunidades que últimamente se nos presentan, con suerte en Mayo algunos conocerán por primera vez el mar !!!.

Quisiera poder contar con su ayuda. Necesitamos ROLLOS DE FOTOS (o cámaras en desuso - funcionando-), para desarrollar las actividades fotográficas que están previstas durante el viaje de intercambio educativo.(Calculamos utilizar más de 100 rollos para cubrir las necesidades fotográficas de los 150 chicos de las escuelas chubutenses, ello sin contar con los rollos que utilicen los chicos del Ojos de Campo).

Si ustedes pueden colaborar con estos materiales, pueden contactarme directamente a mí y arreglaremos el encuentro para concretar la donación. Se les entregará comprobantes de lo aportado, a través de la Asociación Civil Ojos de Campo manejada completamente por los padres de los chicos.

Recibimos los materiales hasta el domingo 15, luego de esa fecha los materiales recibidos quedarán para el taller que se dicta en los pueblos de Buenos Aires.

Más sobre "Ojos de Campo"

OJOS DE CAMPO
(011) 15-4972-6731
www.ojosdecampo.com.ar // info@ojosdecampo.com.ar

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El Colectivo de Artes Bocatoma cumple un año.

 www.bocatomatw.blogspot.com

Bocatoma nació en Febrero del año 2008 y ha llevado a cabo cinco presentaciones hasta la fecha, incluyendo no solo artistas sino también a otros grupos o colectivos de Trelew, Comodoro, Rawson, Madryn y Gaiman, así como la intervención activa del público. Hasta el momento han realizado 6 eventos, desarrollando un concepto y desplegando un abanico de posibilidades para el público. El colectivo también llevó a cabo una serie de intervenciones callejeras (gráficas, performáticas) por fuera del circuito artístico, algunas vinculadas a movilizaciones populares.

Bocatoma se define como un colectivo de solidaridad artística autogestionado, un campo de tolerancia y de respeto a cualquier forma de actividad artística conformada y trabajando o el impulso individual de personas con necesidad de mostrar su creación. Una forma expresiva que necesita la participación efectiva para ejecutar la obre de arte. De la cultura como espectáculo a la cultura como acción. Es decir, una forma de creación (un sujeto colectivo), una forma de recepción no tradicional y de circulación de un mensaje. 

Este sábado, 7 de Marzo, el colectivo de Solidaridad Artística Bocatoma festeja su primer año de actividades. Lejos del brillo y la serpentina el festejo será Dark, es decir con eje en géneros post punk de varias décadas. Bandas en vivo, muestas de arte, performance y más.

El valor de la entrada consistirá en un aporte voluntario a beneficio del Colectivo de Poesía Bajo los Huesos. Habrá servicio de Bufete y pizzas a la parrilla-

Acompañan: Bajo los Huesos, Centro Cultural Ángel Bel, La Sala

BOCATOMA DARK será el próximo 7 de Marzo, a las 23.30hs, en el  Salón de Cooperativa Eléctrica de la ciudad de Trelew -Pje San Luís, entre 25 de Mayo y 9 de Julio-.

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